Un factor dăunător puternic al unei explozii nucleare. Proprietățile de luptă și factorii dăunători ai armelor nucleare
Artă- aceasta este un fel deosebit formativ Activități o persoană care creează structuri figurative și simbolice care au estetic, cognitiveși comunicare funcții. În acest sens, arta este înțeleasă ca activitate creativă, care vizează crearea de opere de artă, mai larg - forme expresive din punct de vedere estetic. Termenul „artă” este, de asemenea, folosit pentru a desemna nu numai opere de artă, produse ale activității artistice, ci și concepte precum „deprindere”, „deprindere”, „artistică” și altele asemenea, manifestate în orice alt domeniu de activitate (în meșteșuguri, știință, tehnologie etc.). altele), adesea nu au legătură directă cu arta, dar indicând cu siguranță că creativitate prezente în mod explicit sau implicit în ele. În procesul dezvoltării umane, conceptul de „artă” este conotat schimbări istorice(transformări) de forme și tipuri cultură(vezi), interacțiunile lor și, în consecință, natura filosofiei, criticii de artă, reflecțiilor artistice și, în prezent, este o formațiune semantică multidimensională, deschisă fundamental includerii de noi elemente semantice generate de necontenit durabil și transformator artistic și estetic. experiența omenirii, inclusiv - dezvoltarea relațiilor interculturale, a comunicațiilor, a schimburilor, a tehnologiilor care asigură și susțin creativitatea și transmiterea produselor sale în societate.
Din punct de vedere istoric, arta apare atunci când o persoană depășește satisfacerea nevoilor sale fizice imediate, interesele și scopurile utilitare practice și are ocazia de a crea. Astfel, arta este o formă specială de explorare umană a lumii, în care lumea apare în artă prin formele de activitate, comunicare, autorealizare ale oamenilor. Oferă reflexii instantanee și proiecții extinse ale omului fiind(vezi), unitatea sa spațială și temporală cu lumea. Arta, înțeleasă ca un fel de întreg condiționat, poate fi interpretată ca o imagine a lumii sau un fel de ontologie, concentrată pe dinamica ființei subiect-senzoriale a oamenilor. Fiind o formă specială de activitate a oamenilor, arta îmbină subiectul, comunicarea, aspectele individuale ale activității în imaginile sale, de aceea păstrează principii motivante, transformatoare și cognitive, precum și reprezentări colective și personale. În diferite epoci și în diferite direcții ale artei, accentele în raportul acestor principii diferă semnificativ, cu toate acestea, ele coexistă întotdeauna, iar raportul lor rămâne un subiect constant de discuție despre scopul artei, despre rolul ei în dezvoltarea societății. .
Luarea în considerare a fenomenului artei presupune o împărțire complexă a tipurilor de activitate umană, atunci când fiecare dintre ele este destul de clar izolat și apoi stabilit în mijloace tehnice; în consecință, specificul artei se dezvăluie pe fondul altor tipuri de activitate: producție materială și spirituală, religie, morală, știință. Problema este însă că arta păstrează natura sintetică a activității umane, deși diferite etape istorie și în diferite tipuri de cultură, există diferențe notabile în imaginile dominante ale artei, metodele de creare a acestora, schemele de funcționare și transmitere a acestora. Rezolvarea problemei specificului artei „în vedere generala' dă naștere la multe dificultăți. Pare mai productiv să luăm în considerare specificul artei pe un „fond social” specific, în anumite sisteme ale societății, deoarece fiecare epocă istorică avea propria înțelegere a fenomenului artei, datorită locului și rolului artistului în sistem. a diviziunii sociale a muncii și a poziției sale în societate. Apoi, problema păstrării specificului artei în sistemele în schimbare de diviziune și cooperare a activității umane se dovedește a fi legată în mod esențial de întrebarea cum își menține arta poziția specifică datorită unei schimbări în accentul în utilizarea mijloacelor figurative ale omului. explorarea lumii.
În societățile arhaice, unde conștiința și activitatea nu erau încă la fel de divizate și specializate ca mai târziu, proto-arta era prezentă în toate formele și mijloacele principale de explorare umană a lumii. Legendele, dansurile, desenele, sculpturile, ornamentele, ustensilele, instrumentele de activitate au fixat forme umane de stăpânire a vieții, forme ale experienței și înțelegerii ei. În același timp, caracterul sincretic și predominant ritual-magic al operelor de artă primitivă, în ciuda manifestării principiilor estetice în ele, nu permite atribuirea lor în totalitate domeniului artei.
LA societăţi tradiţionale tip de clasă, specificul artei se dezvăluie pe fondul unei distribuții stricte a oamenilor în funcție de pozițiile sociale și tipurile de activitate. Importante în acest sens sunt împărțirea conturată a activităților de producție materială și spirituală (inclusiv spiritual-practică), semnificația socială crescândă a muncii unui maestru care creează unelte și le deține, respectiv, „distribuirea” artei însăși între comportamentul obişnuit al profanilor şi iniţiaţilor. În acest sens, arta se dovedește a fi un fel de „marcă de calitate”, indicând priceperea și dedicarea autorului, caracteristicile corespunzătoare ale produselor sale. Poziția artistului, așadar, nu este încă puternic opusă poziției preotului, savantului, meșterului, dar este deja izolată de fluxul comportamentului cotidian al oamenilor și al activităților de rutină.
În Antichitate, arta ocupa o poziţie intermediară între producţia materială şi cea spirituală. Termenul antic „tέχνη” însemna în același timp știință, și meșteșuguri și artă, unite după criteriul apartenenței lor la activitate „expedient”, „ideologic semnificativ”, „generatoare de modele”. Această indistinguire terminologică a activităților artistice și meșteșugărești propriu-zise reflecta legătura internă a acestor domenii ale activității umane, care caracterizează cel mai mult perioada clasică în dezvoltarea lumii antice. În epoca homerică, diviziunea muncii era atât de slabă încât arta, inclusiv meșteșugurile tehnice, nu se despărțiseră încă și nu se opunea activităților spirituale. Prin urmare, la Homer, termenii „σοφία” (deprindere, înțelepciune) și „tέχνη” (artă, meșteșug) erau în esență identici: înțelepciunea (σοφία) este înțeleasă ca meșteșug, creativitate; arta (tέχνη) este asociată cu ideea de înțelepciune, cunoaștere. Cu toate acestea, pe măsură ce diviziunea muncii progresează, există o divergență treptată a ariilor spirituale și materiale de activitate. Societatea antică era destul de arogantă muncă fizică, văzând în ea o nevoie gravă și, prin urmare, a căutat să-și transfere întreaga sarcină asupra sclavilor și artizanilor semiliberi. În aceste condiții, arta este izolată de practica materială directă și devine ocupația celui născut liber. Căutarea artelor este considerată nobilă dacă este un mijloc de educație, divertisment sau petrecere a timpului liber intelectual pentru cei născuți liberi. Dar, de îndată ce arta devine subiectul unor activități profesionale, ea este imediat condamnată ca un comerț brut și o ocupație barbară. Prin urmare, în Grecia antică exista o distincție între vitejie (arete) și pricepere tehnică în orice artă (arete technes). Deci, Aristotel, justificând necesitatea pregătirii practice în arte în educația unui cetățean, s-a opus pregătirii profesionale în artă. oameni liberi. În special, formarea muzicală profesională ar trebui exclusă din sistemul de învățământ, deoarece studierea acesteia „pentru a-i face pe placul ascultătorilor tăi” este un „scop grosolan”, transformând oamenii în artizani (Politica, 1341 a). Opoziția dintre artă și meșteșuguri s-a realizat mai ales acut în epoca elenistică, când opoziția dintre munca fizică și cea spirituală a crescut în antagonismul dintre sclav și munca liberă. Seneca scrie despre aceasta în „Scrisorile lui Lucilius” și foarte tăios Cicero. „Toți artizanii sunt angajați în lucrări disprețuitoare, nu poate exista nimic nobil în atelier, iar meșteșugurile care servesc plăcerii merită cea mai mică aprobare” („On Duties”). În cele mai vechi timpuri, conceptul care denotă esența artei era conceptul de „mimesis” (μίμησις - similitudine, reproducere, imitație). Deja Democrit considera imitația drept baza oricărei activități umane, inclusiv a artei. Teoria mimesisului este dezvoltată și prezentată sistematic de Platon, care credea că imitația este baza oricărei activități artistice. Platon a creat o versiune idealistă a teoriei mimesisului. Teoria sa a servit nu numai ca o explicație a esenței artei, ci și ca dovadă a slăbiciunii, imperfecțiunii, inferiorității cognitive și estetice ale acesteia. La urma urmei, arta este o imitație nu a eidosului etern și neschimbător, ci a lucrurilor senzuale trecătoare, schimbătoare și neadevărate. Pe această bază, Platon a respins anumite tipuri și genuri de artă, considerându-le dăunătoare, înșelând oamenii cu aparențe, iluzii. Aristotel aplică teoria mimesis nu numai artelor vizuale, ci și poeziei, dramei și muzicii. Teoria lui a imitației diferă semnificativ de cea a lui Platon. Dacă Platon a învățat despre imitarea „ideilor eterne”, atunci Aristotel vorbea despre artă ca pe o imitație a ființei lucrurilor. Potrivit lui Aristotel, ideile sunt în lucrurile înseși și, prin urmare, numai lucrurile pot fi imitate. Aplicând teoria imitației la diferitele arte, Aristotel a dezvoltat unul dintre primele sisteme de clasificare a artelor. Un punct important Teoria aristotelică a mimesisului a fost afirmația că imitația în artă aduce plăcere și, în formele sale precum muzica și drama, este asociată cu catharsis (purificarea). Teoria mimesis - o idee generală antică a esenței artei - a trecut ulterior în moștenirea întregului european. estetică. În Plotin, cel mai mare filosof neoplatonist (sec. III), zeitatea lumii se transformă într-un meșter demiurg; natura, ca un meșter, creează prototipuri și forme (eidos) ale tuturor lucrurilor. Artistul devine complice și expresie a energiei creatoare a demiurgului. Dacă estetica antică clasică considera arta ca o imitație (mimesis) a naturii, acum, dimpotrivă, activitatea naturii devine o reflectare mistică și simbolică a meșteșugului sau a activității artistice.
În Evul Mediu, în procesul de formare a noilor forme de muncă asociate modului de producție feudal, munca primește o sancțiune morală, iar meșteșugul sub denumirea de „arte” este introdus în sistemul cunoașterii medievale. Într-adevăr, conceptul medieval de „artă” (ars) este inclus în sistemul cunoaşterii scolastice. Sistemul de învățământ se bazează pe studiul a șapte „arte liberale”, care includ gramatica, retorica, logica, care constituie „privium”, și geometria, aritmetica, astronomia, muzica, care constituie „quadrivium”. Distincția slabă dintre conceptul de artă și domeniul cunoașterii științifice este evidențiată de tratatul filosofului roman din secolul VI Casiodorus „Despre științe și artele libere”. În această lucrare, Casiodorus încearcă să facă distincția între știință (disciplina) și artă (ars). În opinia sa, știința este cunoaștere apodictică, în timp ce arta este cunoașterea probabilității. Evul Mediu extinde la artă principiul ierarhic al împărțirii pământului și cerescului. Cel mai de jos loc în ierarhia artelor îl ocupă artele plastice. Această înțelegere corespunde poziției actuale a artelor plastice în sistemul culturii materiale și spirituale. societatea medievală. La acea vreme pictura, sculptura, arhitectura, asemenea meșteșugurilor, primeau o organizare de breaslă, cu secretele lor profesionale, restricțiile și tradițiile. Artiștii, precum artizanii, alcătuiesc ateliere și bresle. Dualismul senzualului și suprasensibilului, contemplația și speculația, inerente percepției estetice a Evului Mediu, este o dovadă a rupturii care este caracteristică modului feudal de producție cu organizarea sa de clasă și bresle.
Noua înțelegere a artei, pe care o aduce Renașterea, este legată de ruperea revoluționară a vechilor relații feudal-sociale, de eliberarea personalității producătorului de restricțiile de clasă și bresle care îi îngăduiau activitatea. Apreciind foarte mult scopul și demnitatea personalității umane, afirmând ideea dezvoltării nelimitate a capacităților sale, estetica Renașterii a văzut o imagine concretă a unei astfel de personalități în artist. Faptul că căutarea omului universal a dus tocmai la artist, și nu la filozof, om de știință sau politician, nu a fost întâmplător. Acest lucru a fost determinat de poziția pe care artistul a ocupat-o în viața culturală a epocii. Artistul a acționat ca o legătură de mediere între munca fizică și cea mentală. Prin urmare, în opera sa au văzut o modalitate reală de a depăși dualismul teoriei și practicii, cunoașterii și priceperii, pe care s-a bazat întreaga cultură spirituală a Evului Mediu. Nu întâmplător artistul, personalitatea, viața și activitatea sa se află în centrul gândirii sociale din acea vreme. Este considerat o ființă de ordin divin, numelui său i se atribuie din ce în ce mai mult epitetul „divino” – divin. Numeroase biografii ale artiștilor care apar în acest moment și treptat devin deosebite genul literar, mărturisesc că o asemenea exaltare a personalității artistului nu era atât de departe de adevăr. Artiștii remarcabili ai Renașterii sunt oameni educați cuprinzător, cu cunoștințe diverse în domeniul științei și artei. Artistul devine purtător al valorilor estetice și etice. Conceptul etic de viteză „virtu” – capătă un sens estetic, denotă o persoană care deține cu măiestrie și liber afacerea sa – „il virtuoso”. Argumentul tradițional pentru a demonstra valoarea unei anumite ocupații sau meșteșuguri este noțiunea de „dificultate”. Astfel, ideea medievală a unui om perfect ca expert care știe să contemple totul și să raționeze totul este înlocuită de idealul unei persoane care știe să facă totul.
Cu toate acestea, dominația ideologiei umaniste, care a plasat artistul în centrul artistic și viata sociala, nu era durabil. În condițiile unei diviziuni din ce în ce mai progresive a muncii bazate pe producția manufacturieră capitalistă, arta, ca domeniu al creativității spirituale, se remarcă ca tip independent de activitate [artistică]. Dacă în Renaștere artistul, din cauza diferențierii slabe a tipurilor de activitate artistică, a fost simultan sculptor, și arhitect, și decorator și inginer, acum devine fie exclusiv sculptor, fie exclusiv arhitect, fie exclusiv un decorator, sau exclusiv un inginer. Mai mult, există o diferențiere accentuată între formele spirituale și materiale de muncă. În estetică, acest proces se reflectă în faptul că apare o nouă categorie estetică, care denotă sfera creativității artistice. Această categorie este „arte plastice”. Acum ceea ce este desemnat prin termenul „artă” aparține în întregime domeniului activității spirituale. Această dezintegrare a activității senzuale și spirituale este deja conturată în Renaștere, dar se încheie în cele din urmă abia în secolul al XVIII-lea. În 1746, J. Betty a scris celebrele sale „Trei tratate”, în care folosește termenul „elegante” arte”. În același an, C. Batte și-a lansat tratatul „ Arte Frumoase redus la un singur principiu”, unde consolidează practica folosirii termenului de „beaux „art”. Această binecunoscută separare a artei de alte domenii ale dezvoltării spirituale și practice a lumii este întărită de estetica clasică germană, care vedea adevărata natură a artei în cunoașterea „tărâmului spiritului”.
Într-o societate industrială, problema specificului artei devine fundamentală, deoarece producția are un impact asupra tuturor sferelor societății, iar știința își revendică o poziție de lider în cultură. Pe de o parte, arta experimentează aceste influențe și le „cedează”: importanța tehnicii artistice crește, baza instrumentală progresează activ (de la tipărire la fotografie și cinema), în imaginile artei. sens special dată fiind valoarea lor educaţională. Pe de altă parte, problema specificului artei ca mod specific uman de a stăpâni ființa, adică un mod care nu poate fi redus la forme de producție impersonală și cunoaștere deindividualizată, se pune din ce în ce mai acut. Ca urmare, apar direcții (și concepte) ale artei care scot în prim-plan modurile direct personale (individuale, individuale) de a stăpâni viața, respectiv „relegând” pe plan secundar (sau eliminând cu totul) aspectele de comunicare, subiect, cognitive ale stăpânirea figurativă a realităţii.
În tipurile de societate postindustrială, problema specificului artei este definită în contextul interacțiunilor din ce în ce mai complexe între diferite sisteme sociale și culturale. Conservarea artei ca formă specifică de formare, conservare și transmitere experiență umană se dovedește a depinde de „capacitatea” lui de a crea imagini ale înțelegerii umane reciproce din material cultural și istoric eterogen. În această situație, sunt puse sub semnul întrebării ierarhiile și sistemele de evaluare definite anterior, importanța creativității individuale și a autorului. Există o tendință puternică de dizolvare a artei în mass-media. Se joacă un rol din ce în ce mai mare mijloace electronice reproducerea artei. Principiul comunicativ al structurării lumii artistice (culturale), care până la sfârșitul secolului XX căpătase un caracter total, modifică modul și forma existenței artei, care devine preponderent o formațiune (discurs) semantic-semnală care poartă (transmite, comunică) semnificații valorice. Odată cu aceasta, arta este din ce în ce mai inclusă în sistemul culturii de masă, care este orientat fundamental către piața de masă a artei și producerea de ideologeme ale conștiinței de masă. Cultura de masă se dezvoltă predominant în mijloacele de comunicare care reprezintă direct referințele politice, economice și ideologice dominante ale societății și includ direct socializarea indivizilor în sistemele totale de putere.
Arta contemporană este un sistem complex de forme și tendințe de comunicare, adesea unite de așa-numitul „proiect postmodern”. O caracteristică a diferitelor artefacte „moderniste” a fost prezența directă a autorului-interpret în implementarea unui act artistic, care vizează o provocare publică, care se încheie cu reprezentația. În ceea ce privește conceptul artistic (estetic), acesta se realizează în modernism sub forma unui program, manifest și reflecții antropologice. În general, se poate afirma că fenomenul „Eului modern”. - mai degrabă un proiect umanitar-antropologic, îndreptat tăios, uneori agresiv împotriva sistemelor total dominante de auto-referințe sociale - politice și economice. Din această cauză, comunitățile care apar în procesul unui act artistic sunt marginale și temporare. Totuși, „arta modernă” în formele sale avangardiste este departe de a epuiza cultura artistică contemporană, care este susținută de paradigma clasică, încadrată sub forma unei clasice. educația artistică, concepte de muzeu, instituții academice care se încadrează în sistemul comunicării de masă şi în raport cu care se identifică formele moderne de activitate artistică din punct de vedere estetic şi artistic.
Procesul de conștientizare prin artă a ei picturale și posibilități expresive creează un număr semnificativ de concepte și termeni legați de structura artei, precum „formă” și „conținut”, „imagine artistică”, „simbol” și „alegorie”, „imaginație artistică”, „geniu” și „talent” si altele. Aceste concepte au importanţă pentru a înțelege esența artei. Alături de studiul creativității artistice, un rol semnificativ îl joacă studiul legilor și principiilor percepției estetice. Alături de estetică, discipline precum psihologia artei, teoria și istoria artei, sociologia artei și studiile culturale joacă un rol important în înțelegerea esenței artei și a rolului ei social. Studiile culturale moderne consideră arta în sistemul altor fenomene culturale și schimbări globale decomp. tipuri de culturi („naționale – globale”, „înalte – scăzute”, „masă – elită” și altele asemenea).
Din punct de vedere istoric, arta se dezvoltă ca sistem tipuri specifice activități, printre care se obișnuiește în special să se evidențieze literatura, muzica, arhitectura, pictura, sculptura, artele și meșteșugurile. Diversitatea și diferențele lor sunt înregistrate și clasificate după criteriile elaborate de teoria estetică și istoria artei: după modul de reflectare a realității (criteriu epistemologic) - pictural, expresiv; după modul de a fi al unei imagini artistice (criteriu ontologic) - spațial, temporal, spațiu-timp; dupa metoda perceptiei (criteriul psihologic) – auditiva, vizuala si vizual-auditiva. În legătură cu apariția unor noi tipuri de artă, apar și alte principii ale clasificării lor. Cu toate acestea, toate aceste distincții sunt în mare măsură relative.
În general, arta rămâne una dintre cele mai importante forme de transmitere și, prin urmare, de conservare a experienței umane. De asemenea, acționează ca o formă de reînnoire a acestei experiențe, deoarece fiecare generație în felul ei exprimă procesul de stăpânire a ființei. Accentul în acest rol al artei se schimbă istoric și, de fapt, păstrarea artei, specificul ei, functie sociala se realizează în imagini care surprind echilibrul în continuă schimbare între reproducerea și reînnoirea experienței umane.
Conceptul de „artă”
Ce este „arta”? Acest termen nu are un sens simplu și intuitiv. Majoritatea oamenilor înțeleg acest cuvânt cu sensuri complet diferite, contradictorii. Și, în același timp, este o entitate foarte importantă care ne înconjoară din toate părțile.
Să încercăm să ne dăm seama. Pentru început, să ne uităm la semnificația acestui cuvânt în cea mai populară sursă de informații - în enciclopedia computerizată Wikipedia: en.wikipedia.org/wiki/Art
Artă(din „arta de a crea”) - procesul sau rezultatul exprimării lumii interioare într-o imagine (artistică), o combinație creativă de elemente într-un mod care reflectă sentimentele sau emoțiile.
Multă vreme, punctul de vedere a fost considerat art. cultural activitate care satisface dragostea unei persoane pentru frumos. Odată cu evoluția normelor și aprecierilor estetice sociale, orice activitate care vizează crearea de forme expresive în concordanță cu idealurile estetice și-a câștigat dreptul de a fi numită artă.
La scara întregii societăţi, arta - mod special cunoașterea și reflectarea realității, una dintre formele conștiinței sociale și parte a spiritualului cultură atât o persoană, cât și întreaga omenire, un rezultat divers al activității creatoare a tuturor generațiilor.
Conceptul de artă este extrem de larg - se poate manifesta ca o abilitate extrem de dezvoltată într-o anumită zonă.
De acord, este destul de greu de înțeles. De parcă ar fi criptat special și ascuns sensul de toți cei neinițiați. Acum să încercăm să interpretăm acest termen într-un mod uman: mai simplu și mai concis.
Arta este un instrument al culturii
În descriere se strecoară un cuvânt cheie, dar este îngropat într-o masă de prostii. Acest cuvânt important este cultură. Arta este principalul instrument al culturii. Prin cultură, termenul „artă” este cel mai ușor de înțeles.
Cultura este ceea ce distinge o persoană de un animal, este toate informațiile acumulate ale omenirii, transmise din generație în generație. Animalele sunt înăuntru dezvoltare constantă transmiterea modificărilor descendenților lor prin gene. Omenirea, pe lângă dezvoltarea genetică, folosește dezvoltarea informației. Oamenii se nasc și mor, dar informațiile înregistrate de ei rămân pentru totdeauna în cultură și sunt în permanență la dispoziție noilor generații. Arta este obiecte intelectuale sau fizice concrete prin care se transmite cultura.
Nu este necesar să înțelegem cultura doar ca ceva liric, opus științific și tehnic. Știința oficială este doar una dintre secțiunile culturii. În știință, informații despre lumea de afara dezasamblate cu grijă, sortate, sortate în rafturi și transformate în formule. Cultura conține nu numai formule, ci și informații prost structurate care nu au cedat încă analizei științifice. Oamenii au capturat deja aceste informații, dar încă nu și-au dat seama pe deplin, de aceea folosesc nu cuvinte exacte pentru a le descrie, ci numeroase exemple, situații, acțiuni, imagini similare.
Nu-ți aduce aminte de nimic? Această informație prost structurată este baza pe care se bazează arta.
Arta este transmiterea de informații nestructurate.
Filtrarea artistică
Nu vă place formularea științifică zgârcită? Nesurprinzător. Pentru majoritatea oamenilor, cuvântul „artă” este în mod clar asociat cu cuvinte precum „frumos”, „creativitate”, „îndemânare”, „îndemânare”, „capodopera”, dar nu cu termenul „informație nestructurată”. Toate acestea pot fi explicate, puțin mai mult, prin înțelegerea procesului de creare a operelor de artă.
Autorii moderni creează uneori lucruri groaznice în calitate și conținut, dar cu toate acestea sunt considerate parte a artei. Pentru adevărații cunoscători, aceste fapte nu se potrivesc în cap. Istoricii de artă au venit chiar cu categorii speciale de „artă contemporană” și „artă înaltă” pentru a separa unul de celălalt. Bunul, bun, eternul nu ar trebui să fie la egalitate cu răul, răul și momentan.
Dar ambele sunt artă. Și nu este nevoie să ne gândim că „modern” este o denumire doar pentru ceea ce a apărut în secolul nostru 21. Picturi obscene, cărți, statui au fost vândute în piețe din timpuri imemoriale. Poate chiar și în epoca de piatră au existat picturi rupestre de acest fel. Numai toate aceste creații, menite să satisfacă nevoile actuale, nu au supraviețuit până în zilele noastre. Când spuma modernității se instalează, totul temporar se evaporă, lăsând doar reziduul uscat al celor mai bune capodopere.
Așa funcționează arta: creatorii creează cele mai multe opere stiluri diferite, direcții, calități, dar numai cele mai bune exemplare - capodopere - intră în vistieria culturii. Maeștrii meșteșugurilor lor au urmărit inițial un astfel de rezultat - să lase o amprentă asupra culturii, prin urmare ei consideră în lucrările lor teme eterne care vor fi relevante atât pentru contemporani, cât și pentru descendenți. În memoria oamenilor, evenimentele neplăcute și nesemnificative sunt repede uitate, din motive pur psiho-fiziologice, doar amintirile plăcute sau vii sunt amintite mult timp, dând putere emoțională cu fiecare amintire. De aceea toate lucrările clasice ni se par atât de minunate și din același motiv asociem cuvintele „artă” și „frumos”. Filtrele de intrare ale culturii sunt aranjate în așa fel încât doar ceea ce corespunde valorilor umane universale să intre în ea și să contribuie la dezvoltarea ulterioară a omenirii.
Din acest punct de vedere, întreaga dispută dintre istoricii de artă se rezumă la ce parte a artei este considerată artă: întreaga varietate de informații nestructurate, sau doar cea care a trecut deja prin filtrele valorilor umane universale.
Ritmul vieții noastre se accelerează în fiecare an. Perioada prin care este posibil să se determine dacă o lucrare a devenit un clasic a fost redusă la literalmente 10-20 de ani. Este cu siguranță necesar să separăm eternul de momentan, dar pentru aceasta este necesar să se studieze ambele părți ale artei și să nu se îndepărteze de tendințele moderne. La urma urmei, noi, întreaga comunitate umană, suntem cei care decidem ce urmași vor veghea și ce se va dizolva în abisul timpului. În fiecare an apar din ce în ce mai multe informații și se acordă tot mai puțin timp pentru a le sorta. Din această cauză, lucrările ciudate și absurde primesc brusc titlul înalt de clasici. Structura și aprecierea artelor trebuie rezolvate, astfel încât mai mulți oameni să poată participa la proces și astfel încât filtrele culturale să-și poată face treaba la fel de bine ca înainte de era digitală.
Arta este capacitatea de a crea frumusețe
Să luăm în considerare aceeași „artă filtrată” care va rămâne în cele din urmă în memoria omenirii. Pentru a-l desemna, puteți veni cu o formulare mai elegantă și mai concisă:
Arta este capacitatea de a crea frumusețe Sursa de arta - creare(creare).Mediu de artă - pricepere(meșteșug).
Scopul art este frumoasa(plăcerea spirituală).
Pentru definiție au fost necesare doar trei cuvinte, dar, în același timp, în ele se încadrează întregul sens: atât sursa, cât și mijloacele, și scopul.
Există, de asemenea, trei acțiuni care sunt importante pentru artă: intelegere nou (pentru a motiva creativitatea), expresie gânduri și sentimente (a folosi abilitate, îndemânare), credinta(pentru a atinge conștiința cunoscătorilor). Primele trei componente - însăși esența artei, aceste trei componente - nu aparțin artei, ci sunt necesare acesteia. În arta pură, dezinteresată, nu se acordă vreodată o atenție specială acestor acțiuni. Dacă, pe de altă parte, un element (înțelegere, exprimare, convingere) este subliniat, atunci arta devine un instrument pentru o altă acțiune și încetează să fie ea însăși.
Accent pe intelegere. Scopul este faima autorului, sau sesizarea evenimentului descris, livrarea de informații (știință, știri, campanii de PR, publicitate).
Accent pe expresie. Scopul este încrederea necesară credinte(înșelăciune, exploatare a slăbiciunilor umane).
Accent pe convingere. Scopul este de a-și impune valorile, punctul de vedere, schimbarea viziunii asupra lumii (putere, religie).
Figura prezintă o diagramă de artă în formă hexagon obișnuit. În această diagramă, se poate observa o asemănare, dacă ne mișcăm în sens invers acelor de ceasornic: înțelegere, creativitate, expresie, meșteșug, persuasiune, plăcere. Seamănă cu ciclul oricărui produs: studiu, modelare, proiectare, producție, distribuție, consum. Se dovedește:
Arta este ciclul de producție a bunurilor pentru suflet
![](https://i1.wp.com/gamesisart.ru/images/art.jpg)
Hexagonul este o figură închisă, există tensiune în interiorul lui. Fiecare fațetă se opune fațetei sale opuse.
Exprimarea se opune plăcerii.
Plăcerea este o nevoie, o poftă de frumos și spiritual. O expresie este o posibilitate, ceva ce poate face o persoană. De multe ori nu există suficiente oportunități pentru a satisface nevoile. Pentru a obține noi nevoi, trebuie să schimbați posibilitățile.
Meșteșugul se opune înțelegerii.
Producția este axată pe crearea de idei gata făcute, acestea sunt șlefuite la ideal, se investește mult efort în producția finită. Prin urmare, apariția noilor cunoștințe nu este benefică pentru producție: totul va trebui reconstruit pentru a se potrivi cu noile idei, cheltuind resurse pentru ele și reatingând idealul. Schimbările în producție nu au loc niciodată voluntar, doar sub presiunea circumstanțelor externe (exemplu: rolul de succes al unui actor închide toate celelalte roluri pentru el, el este forțat să joace ceea ce face cel mai bine). Pentru a înțelege noul, trebuie să scapi de vechi.
Persuasiunea se opune creativității.
Cu ajutorul persuasiunii, produsele producției sunt răspândite și fixate. „Persuasiunea” este o structură la fel de rigidă ca „meserie”. Contracarează noile creații, nu le permite să pătrundă spre consumator. (exemplu: fanii adevărați ai unei serii de jocuri pe calculator sunt întotdeauna întâmpinați cu ostilitate joc nou serie, oricât de bună ar fi). Pentru a crea ceva nou, trebuie să renunți la vechiul.
Această tensiune internă face ca întregul sistem să stea aproape întotdeauna nemișcat. Doar atunci când unul dintre cele trei elemente ale mișcării (distractie, înțelegere, creativitate) devine mai puternic decât opusul său (elementele de inerție: convingere, meșteșuguri, expresie), abia atunci se produc schimbări în întregul ciclu. Apar schimbări și imediat elementele de inerție încep să se întărească din nou, până la următoarea schimbare.
Bunuri de artă
Acum să analizăm ce fel de „bunuri pentru suflet” produce arta.
Toate bunurile de artă sunt senzații cu care o persoană percepe lumea din jurul său și anume: mirosuri, gusturi, atingeri, culori, mișcări, sunete, gânduri. În general, toate senzațiile noastre despre lume pot fi împărțite în două grupe: senzații de formă și senzații de mișcare. Senzația de culoare, care se află la joncțiunea acestor două grupuri, ne oferă cel mai mult informatii complete despre lume.
După cum se poate observa din diagramă, mișcarea și forma sunt două opuse din care constă întreaga lume. Poate că conștiința este a treia componentă cu drepturi depline a lumii, apoi, din nou, schema poate fi reprezentată ca un hexagon obișnuit, dar până acum acest lucru nu funcționează, nu există suficiente fapte. Încercați, poate veți putea demonstra această teorie.
Să luăm în considerare fiecare senzație separat.
Miros - analiză compoziție chimică se formează la distanță (folosind analiza gazelor (atomi individuali desprinși de obiectul analizat)).
Gustul este o analiză directă a compoziției chimice a formei.
Atingerea este senzația de întâlnire cu forma. Dar forma în sine nu poate fi simțită direct.
Accelerație - senzații la schimbarea vitezei. Dacă ne mișcăm cu o viteză constantă uniformă, atunci pur și simplu nu există nimic cu care să o simțim. Senzația de mișcare în sine este inaccesibilă conștiinței.
Sunetul este senzația undelor de densitate a aerului emise pe măsură ce forma se mișcă. În acest caz, sunetul în sine este o mișcare (undă). Auzul, care percepe sunetele, parcă analizează mișcările care au avut loc în jur.
Gând - analiza pe termen lung a mișcărilor. Reprezintă ipoteze despre mișcările care pot apărea după un timp. Ipotezele sunt construite pe baza mișcărilor (experienței) deja petrecute. Cu cât mai multă experiență, cu atât mai dificilă și mai aproape de adevărul gândirii. Este ca un parfum, dar nu pentru obiecte și atomii lor, ci pentru evenimente și consecințele lor.
Mișcarea formei este ușoară. După cum am menționat mai sus, nu putem simți direct forma și mișcarea. De asemenea, nu putem simți pe deplin fuziunea lor - lumina. Doar o mică parte din ea (numită culoare) este disponibilă pentru percepție.
Toate senzațiile de mișcare și senzațiile de culoare sunt simulate de un om folosind un computer. În practică, se creează o nouă lume virtuală, pentru a cărei completitudine nu lipsesc decât senzațiile de gust, miros și atingere. Și oamenii încearcă în mod constant să facă din virtualul din ce în ce mai mult ca lumea reală.
Dumnezeu, care a creat lumea, l-a creat pe om după chipul și asemănarea Sa. Dorința unei persoane de a crea și de a crea este acea parte a lui Dumnezeu cu care ne-a înzestrat, având în vedere că devenim asemenea zeilor. Arta este o manifestare a dorinței de a crea și de a crea propria ta lume ca Dumnezeu. Anterior, creatorii creau doar părți separate ale lumii pe care au conceput-o, acum echipe de creatori bine coordonate creează lumi întregi inventate.
Există o regulă generală: „90% din tot ceea ce este creat în lume este o prostie totală și nu merită atenția ta”, această regulă se aplică artei și tuturor tipurilor sale separat. Sub toate formele: în muzică, în filme și în jocuri pe calculator - doar aproximativ 10% dintre lucrările create sunt adevărate capodopere, totul este 90% zgură. Nu este nimic bun în el, dar el este necesar, zgura este fundal întunecat, pe care restul de 10% din lucrări strălucesc cu lumină puternică.
Clasificare, tipuri și forme de arte
Să analizăm toate tipurile de artă create de omenire în funcție de compoziția lor de senzații.
![](https://i2.wp.com/gamesisart.ru/images/Sxema.jpg)
Începem să vedem schema de jos în sus. Examinăm o persoană și îi scoatem în evidență toate simțurile: nasul (mirosul), limba (gustul), pielea (atingerea), ochii (văzul), urechile (auzul). Există și ceva cu care evocă sentimente: tot corpul și gura (coardele vocale). Ei bine, ceea ce în cele din urmă procesează toate sentimentele primite este creierul.
Codificare. Toate sentimentele pot fi codificate: un gând poate fi codificat în text, sunet, mișcare, culoare și formă; sunetul poate fi codificat în text sau imagine; forma este codificată ca culoare; și, în general, tot ceea ce nu are formă, tot ce constă numai din valuri - culoare (precum și o formă codificată în culoare), mișcare, sunet, gândire - totul poate fi codificat ca o secvență de „0” și „1” .
Nasul percepe mirosurile, iar singura formă de activitate umană care lucrează asupra acestor simțuri este parfumerie. Este foarte controversat să numim parfumeria o artă, dar este foarte posibil să o numim o artă inferioară (spre deosebire de expresia „artă înaltă”). Miroase înăuntru simțul fizic- aceasta este recunoașterea elementelor chimice care se află în stare gazoasă.
Limba percepe gusturile și, din nou, există o singură formă de activitate umană care lucrează asupra acestor sentimente - gătit. Dar gătitul este mai complex, implică crearea de mirosuri, gusturi și forme. Același lucru este valabil și pentru art. Gustul în sens fizic este recunoașterea elementelor chimice care se află în orice stare, spre deosebire de mirosuri, dar numai în imediata apropiere.
Pielea percepe atingerea altor obiecte fizice. Sensul formei este folosit în proiecta toate soiurile în Arte Frumoase, în sport(arta sportului poate fi atribuită eSports , artă militară). Forma este simțită direct doar în imediata apropiere, așa că cel mai adesea senzațiile sale sunt percepute la distanță folosind codificarea culorilor.
Ochii percep culoarea, care transportă majoritatea informațiilor despre lumea din jurul nostru. După cum am menționat deja, forma și mișcarea sunt codificate în ea, iar tot felul de arte legate de acestea se aplică și culorii. Dar principalul lucru pentru ochi este artă, care, odată cu apariția dispozitivelor speciale, a fost continuată în formă arta fotografieiși animatii.
La joncțiunea mișcărilor și sunetelor se află teatru. Sunetele în sine sunt folosite în arte mai complexe și sunt subdivizate în funcție de forma lor muzică , cântând, vorbire. Vorbirea - sunete care poartă gândul, include caligrafia. Dar principalul este ce gânduri sunt încorporate în acest text. Un tip special de gândire este umor. Momentul controversat, este artă deloc? Dar la noi este cu siguranță un tip de artă special. Include forme precum glume, parodii, glume. Textul este folosit în forme mai complexe: în literatură(cărți) și presa(ziare, reviste), în timp ce imaginile sunt folosite suplimentar sub formă de fotografii.
Cu cât diagrama este mai mare, cu atât media mai noi informatii care contin opere de arta.
Odată cu apariția casetei video, vechile forme de artă au fost transformate. Teatrul s-a transformat în film. Compoziții muzicale în videoclipuri. Restul artelor mișcării și sunetului: animație, sport, dans, concerte - nu s-au schimbat, dar au devenit disponibile sub formă de înregistrări.
Odată cu apariția computerelor și a sistemului de stocare binar, majoritatea suporturilor anterioare (cum ar fi imagini, video, audio, text) pot fi codificate și stocate în acest sistem binar fără modificări. Unele forme de artă vechi au fost transformate în altele noi pe computer: design + animație în modelare, text + mutare programare. Și deja pe baza acestor noi arte, au apărut altele și mai complexe - jocuri pe calculator și video(modelare (design, imagine, animație), teatru (mișcare, sunet, muzică, vorbire), programare (mișcare, text)) și site-uri(programare (mișcare, text), presa, animație).
În partea de sus a diagramei se află mediatorii informației.
Modele, imagini și fotografii pot fi găsite în expoziții.
Animațiile și filmele sunt create și replicate în studiourile de film.
Compozițiile muzicale sunt reproduse în studiourile muzicale.
Literatura și presa sunt reproduse în editurile de carte.
Jocurile pe calculator sunt create și replicate în studiouri de calculatoare și edituri.
Televiziunea distribuie tot ce poate fi codificat în video.
Radioul distribuie tot ce poate fi codificat în audio.
Internetul distribuie tot ceea ce poate fi codificat într-un sistem binar.
O schemă mai corectă, dar și mai greu de perceput pentru arte
Click pe imagine pentru marire
Concluzie
Astfel, jocurile pe calculator vedere compozită arta, formata din multe tipuri anterioare de art. Iar internetul este un imens muzeu public pentru aproape toată lumea specii cunoscute creativitate.
Singura diferență față de arta clasică este că aceasta este o informație nouă și încă nefiltrată. Capodoperele de pe Internet sunt plasate pe aceleași rafturi lângă lucrări de calitate scăzută care vor fi uitate într-o săptămână. Până acum, doar câțiva specialiști pot înțelege diversitatea informațională a pieței suprasaturate. Noi, pe acest site, vă vom ajuta să navigați pârâu furtunos cel mai aspect modern artă.
Realizare „Site pentru cititori onorifici” Ți-a plăcut articolul? Drept mulțumire, puteți pune un like prin orice rețea de socializare. Pentru tine este un clic, pentru noi este un alt pas în ratingul site-urilor de jocuri. |
|
Realizare „Site de sponsorizare onoare” Pentru cei care sunt deosebit de generoși, există posibilitatea de a transfera bani în contul site-ului. În acest caz, puteți influența alegerea subiect nou pentru un articol sau pasaj. money.yandex.ru/to/410011922382680 |
Conceptul de „artă” este cunoscut de toată lumea. Ne înconjoară pe tot parcursul vieții noastre. Arta joacă un rol important în dezvoltarea omenirii. A apărut cu mult înainte de crearea scrisului. Din articolul nostru puteți afla despre rol și sarcini.
Ce este arta? informatii generale
Conceptul de „artă” este destul de multifațetat. De obicei, înseamnă o ramură a activității umane care poate satisface o singură nevoie spirituală, și anume dragostea pentru frumos. Arta este formă specială constiinta publica. Este reflectarea artistică a vieții umane. Datorită lui, poți afla cum trăiau oamenii în acea altă perioadă de timp.
Primul autor care a dezvăluit conceptul de „artă” a fost Charles Batyo. A creat un întreg tratat în care a clasificat această ramură a activității umane. Cartea sa The Fine Arts Reduced to One Principle a fost publicată în 1746. Charles Batyo crede că acestea pot fi identificate după mai multe criterii. Autorul este sigur că arta aduce plăcere și, de asemenea, are un caracter spiritual, nu trupesc.
Conceptul de „artă” include pictura, muzică, poezie, arhitectură și multe altele pe care le întâlnim zilnic. Orice fel de activitate artistică se distinge prin anumite calități pozitive. Fiecare domeniu de artă are un mod special de a reproduce realitatea și sarcinile artistice. Toate tipurile de activitate artistică sunt împărțite în genuri și genuri.
De obicei, arta este împărțită în trei grupe:
- tonic (muzică și poezie);
- figurative (arhitectura, pictura si sculptura);
- mixt (coregrafie, actorie, oratorie și altele).
Există mai multe tipuri de artă:
- spațială, în care, datorită construcției, se dezvăluie o imagine vizibilă (sculptură, arhitectură);
- temporară, în care compoziţia care se desfăşoară în timp real (poezie, muzică) capătă semnificaţie;
- spațio-temporal - artă spectaculoasă (performanță de circ, cinema, coregrafie).
Arte grafice
Arta grafică este un tip care include desenul și grafica tipărită a imaginilor (gravură, minotopie etc.). A ei mijloace de exprimare- contur, contur, fundal și spot. Se știe că acesta este cel mai popular tip de artă plastică. În ceea ce privește conținutul și forma, grafica are multe în comun cu pictura.
Gravura este un tip de grafică în care desenul este o impresie imprimată. Se aplică cu un gravor special. Gravura poate fi reprezentată pe metal, lemn și linoleum.
Un alt tip popular de grafică este un tip special de imprimare plată, în care suprafața unei pietre servește drept placă de imprimare. Această specie a fost inventată în 1798. Imaginea este aplicată pe piatră folosind o cerneală sau un creion special.
Arta graficii este cea mai veche dintre toate existente. Primele imagini există din neolitic și epoca bronzului. Strămoșii noștri au sculptat un model pe pereții peșterilor și stâncilor. După ceva timp, imaginile au fost aplicate pe arme și articole de uz casnic. După apariția scrisului, grafica a fost folosită în proiectarea literelor, cărților și literelor.
Metodele de copiere a desenelor au fost necunoscute de mulți ani. De aceea toate imaginile au fost create într-o singură copie. Nu este un secret pentru nimeni că astăzi astfel de desene grafice sunt solicitate în rândul colecționarilor.
La mijlocul secolului al XX-lea, specialiștii au început să dezvolte tehnica graficii alb-negru. Au fost create peste 20 de variante de textură grafică. Au fost publicate manuale de instruire. Astăzi, grafica ocupă un loc de frunte în artă.
Bento
Bento este o artă neobișnuită pentru copii și adulți. Nu este un secret pentru nimeni că mulți părinți nu știu să-și învețe copilul să mănânce sănătos. Astăzi, pe rafturile magazinelor există o selecție mare de alimente dăunătoare și chiar periculoase. O nouă formă de artă, bento, poate veni în ajutor. A apărut în China. Chinezii numesc acest termen mâncarea pe care o împachetează în cutii speciale și o iau cu ei la studiu sau la muncă. Bento este o operă de artă care poate fi mâncată. Gospodine și bucătari talentați creează figurine și picturi mici din mâncare. Principala diferență între astfel de alimente este echilibrul și prezența unei cantități mari de vitamine. Chinezii creează o operă de artă comestibilă numai din alimente sănătoase.
Bento este o artă pentru copii și adulți, datorită căreia copilul se va bucura să mănânce alimente sănătoase. Nu este încă atât de popular la noi, dar mai mulți maeștri care au stăpânit această tehnică sunt deja cunoscuți.
Influența artei asupra conștiinței și vieții unui copil. Cum să explici unui copil operele de artă moderne?
piese de artă rol importantîn viața copilului și dezvoltarea personalității acestuia. Astăzi, absolut fiecare persoană ar trebui să aibă cel puțin cunoștințe de bază despre un anumit domeniu de activitate. Societatea se dezvoltă rapid și, prin urmare, fiecare persoană trebuie să aibă mai multe fațete. Mulți părinți moderni încearcă să insufle copilului lor dragostea pentru artă cât mai devreme posibil. Pentru aceasta, au fost dezvoltate un număr considerabil de metode de creștere care pot fi folosite încă din primele luni de viață ale unui copil.
Copilul primește conceptul de forme de artă la școală. De obicei, părinții, profesorii și educatorii acordă multă atenție scrisului, cititului, numărării și altor materii pentru care emisfera stângă creier. Pentru a-l dezvolta pe cel potrivit, va trebui să studiezi muzica, dansul și alte arte. Este important să dezvoltați ambele emisfere ale creierului pentru a deveni o personalitate complet formată în viitor.
Datorită dezvoltării artei la un copil:
- se formează personalitatea;
- nivelul potențialului intelectual crește;
- se formează îndrumări morale;
- se dezvoltă capacitatea de gândire creativă;
- creșterea încrederii în sine și a stimei de sine;
- dezvoltă memoria și atenția;
- orizonturile se extind.
Pentru a introduce un copil în artă, este important în primul rând să organizați o zonă în care să fie depozitate toate materialele necesare activității creative. Va trebui să aveți mai multe cărți de artă acasă. Din copilărie, copilul are nevoie să le citească. Este important să discutăm despre tot ce s-a învățat. Pentru a vă familiariza cu arta, va trebui să vizitați împreună cu copilul muzee, galerii, teatre și expoziții cel puțin o dată pe lună. În niciun caz nu trebuie să aruncați desene, aplicații și meșteșuguri create de mâinile copiilor. Datorită lor, puteți vedea creștere creativă copil. De asemenea, este important să-l înscrieți cât mai curând într-un cerc tematic, cursuri în care îi va plăcea.
Unele opere de artă contemporană provoacă nedumerire nu numai copiilor, ci și adulților. Nu este neobișnuit ca un anumit copil să nu înțeleagă arhitectura care a fost proiectată de moderniști. Este important să explicăm elevului că orice operă de artă este o etapă importantă în dezvoltarea omenirii.
Multe întrebări la copii provoacă picturi abstracte. Există o serie de ediții speciale pe care părinții le pot folosi pentru a arăta copilului lor cât de dificil este să creeze o astfel de operă de artă. Unul dintre ei este însuși Kandinsky.
Adesea, copiii sunt interesați dacă este posibil să compare arta modernă și cea primitivă. Puteți afla acest lucru și multe altele în articolul nostru.
Artă. Istoria dezvoltării sale în Rusia
Există multe feluri diferite de arte. Fiecare dintre ele are propriile sale caracteristici și avantaje. Aproape toată lumea știe ce este arta plastică. Copiii sunt introduși în ea de la o vârstă fragedă.
Acesta este un fel de activitate artistică, datorită căreia maestrul poate, cu ajutorul unor instrumente speciale, să reproducă lumea din jurul său. Istoria sa în Rusia este împărțită în două perioade, a căror graniță a fost marcată de reformele petrine. B a fost strâns asociat cu venerarea icoanelor. Icoanele aveau propriile lor particularități stil artistic. Scopul unor astfel de opere de artă este de a arăta calm și liniște în rugăciune în comuniune cu Dumnezeu. Așa se explică prezența în icoane a prezenței unor mijloace artistice. De-a lungul timpului, maeștrii au stăpânit deschiderea școlilor de pictură icoană. Cea mai faimoasă lucrare este considerată a fi „Trinitatea” de A. Rublev. Icoanele din secolele XV-XVI se disting prin armonia culorilor.
În secolul al XVII-lea, icoanele „scrierea lui Friazhsky” erau populare. Ele sunt caracterizate de elemente ale picturii vest-europene, și anume vopsele în ulei, o aparență de modelare a luminii și umbrelor, reprezentări precise ale oamenilor și ale naturii. Interesul pentru icoană ca operă de artă apare abia în secolul al XIX-lea.
Vechea sculptură rusă a existat sub formă de sculpturi în piatră și lemn. Cel mai adesea, maeștrii au înfățișat imagini cu sfinți. Atentie speciala a dat fata. În secolele al XVIII-lea și al XIX-lea, sculptorii și pictorii din alte țări erau căutați. După ceva timp, stăpânii domestici au devenit populari.
În secolul al XVIII-lea, devine cel mai popular, se caracterizează prin severitatea desenului, convenționalitatea culorii și utilizarea scenelor din Biblie și mitologie. Astfel, s-a născut treptat arta națională.
În 1860-1880 au fost deschise primele galerii, iar maeștrii domestici au devenit celebri în întreaga lume. Treptat, apar noi tendințe. Fiecare dintre ele a ocupat un loc important în formarea patrimoniului cultural. În secolele al XVIII-lea și al XIX-lea, omenirea nu numai că știa ce este arta plastică, dar o folosea în mod activ.
Temele abordate în art
În mod surprinzător, toate temele și problemele pe care maeștrii le dezvăluie în operele lor de artă sunt relevante de multe secole. Anticii romani au susținut că arta, spre deosebire de viața umană, este eternă. Aceasta nu este o coincidență. Temele din artă luminează problemele sociale care sunt adesea întâlnite astăzi. De aceea sunt de mare valoare pentru omenire. Maeștrii dezvăluie adesea tema dragostei, naturii și prieteniei în lucrările lor.
În timp, tendințele în artă se schimbă și apar noi maeștri, dar temele și imaginile rămân neschimbate. De aceea, orice lucrare rămâne relevantă mulți ani.
Arta și rolul ei
Rolul artei în viața societății este de neprețuit. Se bazează pe o reflectare artistică și figurativă a realității. Arta formează aspectul spiritual al oamenilor, sentimentele, gândurile și viziunea asupra lumii. Recrearea figurativă a realității ne creează personalitatea. Arta ajută la dezvoltarea și îmbunătățirea personalului. Și, de asemenea, să cunoști lumea din jurul tău și pe tine însuți.
Arta este o moștenire culturală. Datorită operelor de artă, puteți afla cum au trăit oamenii la un moment dat. Recent, diverse tehnici de artă au devenit deosebit de populare. Prin artă, poți învăța să te controlezi. Prin crearea unui obiect de artă, puteți uita de probleme și puteți scăpa de depresie.
Arta și sarcinile ei
Maxim Gorki credea că sarcinile artei sunt evaluarea morală și estetică a tuturor fenomenelor esențiale. Scriitorul a spus că, datorită acestui lucru, se poate învăța să se înțeleagă pe sine, să se lupte cu vulgaritatea, să poată înțelege oamenii și să găsească ceva bun în ei. Astăzi sunt cunoscute trei funcții ale activității artistice. Sarcinile artei sunt cercetarea, jurnalismul și educația. Maeștrii cred că funcția activității artistice este de a aduce frumusețe în sufletele și inimile oamenilor. Nikolai Vasilyevich Gogol a susținut că sarcina artei este să înfățișeze realitatea.
Artă modernă și primitivă
Mulți sunt interesați, La prima vedere, acest lucru este imposibil. Cu toate acestea, nu este. Dacă percepem arta ca pe o modalitate de auto-exprimare a individului, atunci atât modernul cât și primitivul sunt pe același plan. Comparându-le, puteți înțelege cum s-a schimbat percepția asupra unei persoane.
Gândirea umană a devenit mai abstractă. Acest lucru indică dezvoltare activă intelect. De-a lungul timpului, o persoană și-a schimbat prioritățile și astăzi percepe viața altfel decât strămoșii primitivi. Anterior, meșterii erau interesați de aspectul unui obiect și de forma acestuia, dar acum rol principal emoțiile sunt implicate în lucrări. Această diferență există încă de la sfârșitul secolului al XIX-lea.
Rezumând
important cu vârstă fragedă dezvolta nu numai emisfera stângă, ci și cea dreaptă a creierului. Pentru a face acest lucru, trebuie să faci artă. Este deosebit de important să acordați atenția cuvenită dezvoltare creativă copil. Vă recomandăm insistent să faceți acest lucru încă din primii ani de viață. Nu toată lumea înțelege rolul, sarcinile și tipurile de artă. Informațiile descrise pe scurt în articolul nostru vă permit să obțineți cunoștințe de bază despre diverse domenii artistice de activitate.
Dacă luăm în considerare conceptul de artă într-un sens larg, atunci înseamnă una dintre formele de cunoaștere a realității de către omenire, care se reflectă în opere de artă, picturi, opere muzicale și spectacole de teatruîn gravuri şi sculpturi. Arta face parte din viața spirituală atât a unei persoane, cât și a societății și este, în general, considerată un rezultat divers al activității creative a tuturor generațiilor.
Ce este arta într-un sens mai restrâns
Arta înseamnă înțelegerea realității de către maestru, o reflectare a lumii sale exterioare și interioare, care oferă în cele din urmă un produs care aduce satisfacție estetică, nu numai creatorului însuși, ci și societății.
Scopurile art
Ca orice fel de activitate umană, arta are propriile ei scopuri. Dacă luăm în considerare ce este arta plastică și principalele sale funcții, atunci acest tip de artă are atât funcții nemotivate, cât și motivate. De exemplu, artiștii de avangardă, prin picturile lor, și-au exprimat indignarea față de sistemul politic existent (o funcție motivată, revoluționară). Fiecare pictură este un mesaj către întreaga lume, întrucât artistul îl creează pentru a arăta omenirii cât de frumos este peisajul unei anumite zone sau pentru a arăta frumusețea unei persoane, lăsând portretul său pentru generațiile viitoare. Apelarea la un cerc nelimitat de oameni este o funcție nemotivată a artei plastice și nu numai.
Arta are scopuri de divertisment și ritual și servește ca o modalitate excelentă de a trata bolile psihoterapeutice (scop motivat). În principiu, fiecare tip de artă are atât funcții generale, cât și pur specifice. De exemplu, graffiti-ul, fiind un fel de artă plastică, are scopuri atât de motivate precum comercializarea și propaganda, dar, în același timp, îndeplinește funcții nemotivate - doar o persoană creativă la nivelul său subconștient poate realiza graffiti cu ajutorul imaginației.
Tipuri de artă
Există o mulțime de tipuri de artă, dar având în vedere ce este un tip de artă, trebuie remarcat faptul că există două grupuri mari - artă plastică și artă non-fină. Primul tip exprimă realitatea externă, iar al doilea tip exprimă interioară. La rândul lor, artele vizuale sunt împărțite în tipuri precum pictura și pictura, grafică, sculptură și fotografie, graffiti și benzi desenate. Acest grup include și artele și meșteșugurile, care implică crearea de produse artistice care au un scop utilitar și non-utilitar. Dacă ne oprim mai în detaliu asupra întrebării ce este arta decorativă și aplicată, atunci vom înțelege că are propriile sale caracteristici speciale. Astfel, obiectele create în cadrul acestui tip de artă sunt folosite pentru decorarea interioară și casnică. Dar, în același timp, aceste obiecte sunt plăcute ochiului din punct de vedere estetic și au un efect artistic.
Artele non-vizuale includ literatura și arhitectura, care, conform unui principiu diferit de împărțire a artei, sunt clasificate ca statice. Muzica și coregrafia, baletul și arta radio sunt forme de artă dinamice non-picturale. Toate tipurile de artă sunt, de asemenea, împărțite în funcție de tipurile de materiale utilizate. De exemplu, pentru a crea un tablou, sunt necesare materiale moderne și tradiționale - vopsele și pânză, o pensulă și așa mai departe. Arta este împărțită în stiluri și genuri, cum ar fi dramă și tragedie, farsă și comedie și altele. În principiu, dacă luăm în considerare superficial ce este arta, definiția acestei sfere a activității umane este foarte spațială. Deoarece arta poate fi numită tot ceea ce o persoană a creat cu ajutorul mâinilor și creierului său.
Armele nucleare au cinci factori principali dăunători. Distribuția energiei între ele depinde de tipul și condițiile exploziei. Impactul acestor factori diferă și ca formă și durată (contaminarea zonei are cel mai lung impact).
undă de șoc. O undă de șoc este o regiune de compresie ascuțită a mediului, care se propagă sub forma unui strat sferic din locul exploziei la viteză supersonică. Undele de șoc sunt clasificate în funcție de mediul de propagare. Unda de șoc din aer apare din cauza transferului de compresie și expansiune a straturilor de aer. Odată cu creșterea distanței de la locul exploziei, unda slăbește și se transformă într-o undă acustică obișnuită. val care trece prin punct dat spațiul provoacă modificări ale presiunii, caracterizate prin prezența a două faze: compresie și dilatare. Perioada de contracție începe imediat și durează un timp relativ scurt în comparație cu perioada de expansiune. Acțiune distructivă undă de șoc caracterizați excesul de presiune în fața sa (limita frontală), presiunea capului de viteză și durata fazei de compresie. O undă de șoc în apă diferă de una aeriană prin valorile caracteristicilor sale (suprapresiune mare și timp de expunere mai scurt). Unda de șoc din pământ atunci când se îndepărtează de locul exploziei devine similară cu o undă seismică. Impactul undei de șoc asupra oamenilor și animalelor poate duce la răni directe sau indirecte. Se caracterizează prin leziuni și leziuni ușoare, medii, severe și extrem de grave. Impactul mecanic al unei unde de șoc este estimat prin gradul de distrugere cauzat de acțiunea undei (se disting distrugerea slabă, medie, puternică și completă). Energetică, industrială și echipamente utilitare ca urmare a impactului undei de soc poate suferi daune, evaluate si dupa gravitatea acestora (slab, mediu si puternic).
Impactul undei de șoc poate duce și la deteriorarea vehiculelor, a lucrărilor de apă, a pădurilor. De regulă, daunele cauzate de impactul undei de șoc sunt foarte mari; se aplica atat la sanatatea oamenilor cat si la diverse structuri, echipamente etc.
Emisia de lumina. Este o combinație a spectrului vizibil și a razelor infraroșii și ultraviolete. zona strălucitoare explozie nucleara caracterizat foarte temperatura ridicata. Efectul dăunător este caracterizat de puterea pulsului de lumină. Impactul radiațiilor asupra oamenilor provoacă arsuri directe sau indirecte, împărțite la severitate, orbire temporară, arsuri retiniene. Îmbrăcămintea protejează împotriva arsurilor, astfel încât acestea sunt mai probabil să apară în zonele deschise ale corpului. Pericol mare reprezintă și incendii la instalații economie nationala, în zonele forestiere rezultată din efectul combinat al radiației luminoase și al unei unde de șoc. Un alt factor în impactul radiațiilor luminoase este efectul termic asupra materialelor. Caracterul său este determinat de multe caracteristici atât ale radiației, cât și ale obiectului însuși.
radiatii penetrante. Aceasta este radiația gamma și fluxul de neutroni emiși în mediu. Timpul său de expunere nu depășește 10-15 s. Principalele caracteristici ale radiației sunt fluxul și densitatea de flux a particulelor, doza și rata dozei de radiație. Severitatea leziunii cauzate de radiații depinde în principal de doza absorbită. Când se propagă într-un mediu, radiațiile ionizante își schimbă structura fizică, ionizând atomii substanțelor. Atunci când sunt expuși la radiații penetrante, oamenii pot experimenta boala radiațiilor de diferite grade (cele mai severe forme se termină de obicei cu moartea). Daunele cauzate de radiații pot fi aplicate și materialelor (modificările în structura acestora pot fi ireversibile). Materiale care au proprietăți protectoare, sunt utilizate activ în construcția de structuri de protecție.
impuls electromagnetic. Ansamblul câmpurilor electrice și magnetice de scurtă durată care decurg din interacțiunea radiațiilor gamma și neutronilor cu atomii și moleculele mediului. Impulsul nu afectează în mod direct o persoană, obiectele înfrângerii sale - toate corpurile conducătoare de curent electric: linii de comunicație, linii electrice, structuri metalice etc. Rezultatul impactului impulsului poate fi un eșec diverse dispozitiveși structuri care conduc curentul, dăunează sănătății persoanelor care lucrează cu echipamente neprotejate. Deosebit de periculos este impactul unui impuls electromagnetic asupra echipamentelor care nu sunt echipate cu protecție specială. Protecția poate include diverse „suplimente” la sistemele de fire și cabluri, ecranare electromagnetică etc.
Contaminarea radioactivă a zonei. apare ca urmare a caderii substantelor radioactive din norul unei explozii nucleare. Acesta este un factor de înfrângere care are cel mai lung efect (zeci de ani), acționând pe o zonă imensă. Radiația substanțelor radioactive în cădere este formată din raze alfa, beta și gamma. Cele mai periculoase sunt razele beta și gama. O explozie nucleară produce un nor care poate fi purtat de vânt. Cadere de substanțe radioactive are loc în primele 10-20 de ore după explozie. Amploarea și gradul de contaminare depind de caracteristicile exploziei, suprafeței, conditiile meteorologice. De regulă, zona urmei radioactive are forma unei elipse, iar gradul de contaminare scade odată cu distanța de la capătul elipsei unde a avut loc explozia. În funcţie de gradul de infecţie şi consecinte posibile expunerea externă alocă zone de contaminare moderată, puternică, periculoasă și extrem de periculoasă. Efectul dăunător este în principal particulele beta și radiațiile gamma. Mai ales periculoasă este pătrunderea substanțelor radioactive în organism. Principala modalitate de a proteja populația este izolarea de influență externă radiații și excluderea pătrunderii substanțelor radioactive în organism.
Este recomandabil să se adăpostească oamenii în adăposturi și adăposturi antiradiații, precum și în clădirile al căror design slăbește efectul radiațiilor gamma. Se folosește și echipamentul individual de protecție.
explozie nucleară contaminare radioactivă