Podstawy balistyki wewnętrznej. Podstawy balistyki wewnętrznej i zewnętrznej
Widoki przyrody zachwycają swoim pięknem, pomagają się zrelaksować i inspirują do kreatywności. Nic dziwnego, że ludzie starali się je uchwycić od czasów starożytnych. Tak pojawił się szczególny gatunek sztuki - pejzaż. Czym zatem jest krajobraz?
Słowo „krajobraz” pochodzi od francuskich słów „pays” – obszar, kraj. Jest to gatunek sztuki przedstawiający rzeczywiste lub wyobrażone widoki natury.
Rozwój gatunku pejzażowego
Krajobraz był częścią różnych obrazów od czasów starożytnych. Jego elementy odnajdujemy w starożytnym rosyjskim malarstwie ikonowym (tzw. „gorkach”). Przez długi czas przedstawianie przyrody pozostawało warunkowe, zachowano jej rolę pomocniczą.
Znaczenie krajobrazu wzrosło w okresie renesansu, kiedy odkrycia w dziedzinie perspektywy i światłocienia pozwoliły na jego bardziej naturalistyczny charakter.
W okresie klasycyzmu krajobrazy miały charakter bardziej konwencjonalny, w dużej mierze fikcyjny. Ścisłe kanony malarstwa widoków natury (trójpłaszczyznowa kompozycja) nadawały tym obrazom skojarzenia z scenografią teatralną.
Gatunek rozwinął się w XIX wieku. Początkowo jego rola została przemyślana w sztuce romantyzmu. Następnie pojawiło się malarstwo plenerowe (z francuskiego „pleneru”). Wcześniej szkice wykonywano w naturze, a obraz malowano w pracowni. Po wynalezieniu farby w tubkach możliwa stała się praca całkowicie na łonie natury.
W kształtowaniu krajobrazu plenerowego znaczącą rolę odegrali francuscy mistrzowie szkoły barbizonskiej. A potem impresjoniści, którzy starali się ucieleśnić w swoich dziełach bezpośrednie wrażenia z tego, co widzieli (wrażenie). Pojawiły się krajobrazy, przesiąknięte poczuciem światła i powietrza.
Rodzaje krajobrazu
Krajobraz ma często charakter pomocniczy, oddaje stan emocjonalny człowieka (krajobraz liryczny). Będąc tłem, może być historyczny, abstrakcyjny, heroiczny itp., W zależności od gatunku obrazu.
W XVIII wieku Kształtuje się taki typ krajobrazu jak weduta – krajobraz miejski, architektoniczny.
Wizerunek morza wyróżnia się także jako szczególny typ: pejzaż morski - przystań (wybitnym przedstawicielem jest I. Aiwazowski).
Krajobraz w literaturze
Czym jest krajobraz w literaturze, dlaczego jest potrzebny? W dziełach literackich krajobraz jest potężnym środkiem wyrazu. Pomaga nie tylko wskazać miejsce akcji, ale także określić porę roku i dnia (funkcja opisowa).
Ma ona charakter psychologiczny. Często pisarze ukazują stan psychiczny bohaterów poprzez przedstawienie różnych zjawisk naturalnych. Co więcej, nie zawsze dzieje się to zgodnie z zasadą analogii. Sprzeciw jest również używany do wzmocnienia wpływu emocjonalnego.
W ten sposób bliski związek człowieka z naturą dał początek takiemu gatunkowi sztuki jak pejzaż.
Rodzaje krajobrazu
W zależności od charakteru motywu krajobrazowego można wyróżnić krajobrazy wiejskie, miejskie (w tym architektoniczne miejskie i weduty) oraz przemysłowe. Szczególnym obszarem jest wizerunek elementu morskiego – mariny i krajobrazu rzecznego.
Krajobraz wiejski, znany również jako „wieś” - ten kierunek gatunku krajobrazu był popularny przez cały czas, niezależnie od mody. Artystów w wiejskich krajobrazach przyciąga spokój, wyjątkowa poezja wiejskiego życia i harmonia z naturą. Dom nad rzeką, skały, zielone łąki, wiejska droga dały impuls do inspiracji artystów wszystkich czasów i krajów.
Pejzaż miejski jest efektem kilkusetletniego rozwoju malarstwa pejzażowego. W XV wieku powszechne stały się krajobrazy architektoniczne przedstawiające miasto z lotu ptaka. Te ciekawe płótna często łączyły w sobie starożytność i nowoczesność, zawierały elementy fantasy.
Krajobraz architektoniczny to rodzaj krajobrazu, jeden z rodzajów malarstwa perspektywicznego, obraz prawdziwej lub wyimaginowanej architektury w środowisku naturalnym. Ważną rolę w krajobrazie architektonicznym odgrywa perspektywa liniowa i powietrzna, łącząca naturę i architekturę. W krajobrazie architektonicznym wyróżnia się miejskie widoki perspektywiczne, które w XVIII wieku nazwano. vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi w Wenecji), widoki dworów, zespoły parkowe z budynkami, krajobrazy z ruinami starożytnymi lub średniowiecznymi (Y. Robert; K. D. Friedrich Opactwo w gaju dębowym, 1809-1810, Berlin , Muzeum Państwowe; S.F. Szczedrin), pejzaże z wyimaginowanymi budynkami i ruinami (D.B. Piranesi, D. Pannini).
Weduta (włoska weduta, dosł. – widziana) to pejzaż wiernie dokumentujący wygląd okolicy, miasta, będący jedną z początków sztuki panoramy. Późnowenecki pejzaż, ściśle kojarzony z nazwiskami Carpaccio i Belliniego, którym udało się znaleźć równowagę pomiędzy dokumentalną trafnością przedstawienia rzeczywistości miejskiej a jej romantyczną interpretacją. Termin pojawił się w XVIII wieku, kiedy do odtwarzania widoków zaczęto używać kamery obscura. Czołowym artystą tworzącym w tym gatunku był A. Canaletto: Piazza San Marco (1727-1728, Waszyngton, National Gallery). (patrz załącznik ryc. 1.1.7) Dalszy poważny wkład w rozwój tego kierunku wnieśli impresjoniści: C. Monet, Pissarro i in. Dalszy rozwój tego kierunku sprowadzał się do poszukiwania najlepszych metod ekspozycji, koloru rozwiązań oraz możliwość ukazania specyficznej „wibracji atmosfery” charakterystycznej dla miast.
Współczesny krajobraz miejski to nie tylko tłumy ludzi na ulicach i korki; to także stare uliczki, fontanna w cichym parku, światło słoneczne splątane w pajęczynę drutów... Ten kierunek przyciągał i będzie przyciągał zarówno artystów, jak i koneserów sztuki na całym świecie.
Marina (włoska marina, od łac. marinus – morze) to jeden z typów krajobrazu, którego obiektem jest morze. Marina stała się w Holandii samodzielnym gatunkiem na początku XVII w.: J. Porcellis, S. de Vlieger, W. van de Velle, J. Vernet, W. Turner „Funeral at Sea” (1842, Londyn, Tate Gallery ), K. Moneta „Impresja, wschód słońca” (1873, Paryż, Muzeum Marmottan), S.F. Szczedrin „Mały port w Sorrento” (1826, Moskwa, Galeria Trietiakowska). Aivazovsky jak nikt inny potrafił pokazać żywy, przesiąknięty światłem, stale poruszający się żywioł wody. Pozbywając się zbyt ostrych kontrastów kompozycji klasycystycznej, Aiwazowski ostatecznie osiąga prawdziwą swobodę malarską. Brawurowo-katastroficzna „Dziewiąta fala” (1850, Muzeum Rosyjskie w Petersburgu) to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów tego gatunku.
Malowanie w plenerze (plener), głównie pejzaży i plenerów.
Krajobraz może mieć charakter historyczny, heroiczny, fantastyczny, liryczny, epicki.
Często krajobraz służy jako tło w dziełach malarskich, graficznych, rzeźbiarskich (płaskorzeźby, medale) innych gatunków. Artysta przedstawiając przyrodę, nie tylko stara się wiernie odtworzyć wybrany motyw pejzażu, ale także wyraża swój stosunek do natury, uduchowia ją, tworzy obraz artystyczny o wyrazistości emocjonalnej i treści ideologicznej. Na przykład dzięki I. Szyszkinowi, któremu udało się stworzyć na swoich płótnach uogólniony epicki obraz rosyjskiej natury, rosyjski krajobraz osiągnął poziom sztuki głęboko znaczącej i demokratycznej („Żyto”, 1878, „Ship Grove”, 1898 ).
Krajobraz Krajobraz
(francuski paysage, from pays – country, locality), gatunek sztuki plastycznej (lub poszczególne dzieła tego gatunku), w którym głównym tematem obrazu jest dzika przyroda lub przyroda w większym lub większym stopniu przekształcona przez człowieka. Krajobraz odtwarza rzeczywiste lub wyimaginowane widoki terenów, obiektów architektonicznych, miast (miejski krajobraz architektoniczny - weduta), widoki na morze (przystań) itp. Często krajobraz służy jako tło w pracach malarskich, graficznych, rzeźbiarskich (płaskorzeźby, medale) inne gatunki. Artysta przedstawiając zjawiska i formy naturalnego środowiska człowieka wyraża zarówno swój stosunek do przyrody, jak i sposób jej postrzegania przez współczesne społeczeństwo. Dzięki temu krajobraz nabiera emocjonalności i znaczących treści ideowych.
Obrazy natury odnaleziono już w epoce neolitu (symbole firmamentu, luminarzy, kierunków kardynalnych, powierzchni ziemi, granic zamieszkanego świata). Płaskorzeźby i malowidła krajów starożytnego Wschodu (Babilonia, Asyria, Egipt), głównie w scenach wojen, polowań i rybołówstwa, zawierają poszczególne elementy krajobrazu, szczególnie zwielokrotnione i skonkretyzowane w starożytnej sztuce egipskiej Nowego Państwa. Motywy krajobrazowe rozpowszechniły się w sztuce Krety w XVI-XV wieku. pne mi. ( cm. Sztuka egejska), gdzie po raz pierwszy uzyskano wrażenie przekonującej emocjonalnie jedności fauny, flory i elementów naturalnych. Elementy krajobrazu sztuki starożytnej Grecji są zwykle nierozerwalnie związane z wizerunkiem człowieka; Nieco większą samodzielność charakteryzowały się pejzaże hellenistyczne i starożytnego Rzymu, które zawierały elementy perspektywy (malowidła iluzjonistyczne, mozaiki, tzw. płaskorzeźby malarskie). Epokę tę charakteryzuje obraz natury, postrzeganej jako sfera idyllicznej egzystencji człowieka i bogów. W średniowiecznej sztuce europejskiej elementy krajobrazu (zwłaszcza widoki miast i poszczególnych budynków) często służyły jako środek konwencjonalnych przestrzeni i konstrukcji (na przykład „wzgórza” lub „komnaty” w ikonach rosyjskich), w większości przypadków zamieniając się w lakoniczne wskazania scena akcji. W wielu kompozycjach szczegóły krajobrazu tworzyły schematy spekulatywne i teologiczne, które odzwierciedlały średniowieczne wyobrażenia o Wszechświecie.
W sztuce średniowiecznej krajów muzułmańskiego Wschodu elementy krajobrazu były początkowo reprezentowane bardzo oszczędnie, z wyjątkiem nielicznych przykładów wywodzących się z tradycji hellenistycznych. Z XIII-XIV wieku. zajmują coraz większe miejsce w miniaturach książkowych, gdzie w XV-XVI wieku. w twórczości szkoły Tabriz i szkoły Herat tła krajobrazowe, wyróżniające się promienną czystością kolorów, przywołują ideę natury jako zamkniętego magicznego ogrodu. Detale krajobrazowe osiągają wielką siłę emocjonalną w średniowiecznej sztuce Indii (zwłaszcza w miniaturach począwszy od szkoły Mogołów), Indochin i Indonezji (np. wizerunki lasów tropikalnych na płaskorzeźbach o tematyce mitologicznej i epickiej). Krajobraz zajmował niezwykle ważną pozycję jako samodzielny gatunek w malarstwie średniowiecznych Chin, gdzie wciąż odnawiająca się przyroda uznawana była za najbardziej wizualne ucieleśnienie prawa światowego (Tao); koncepcja ta znajduje bezpośredni wyraz w krajobrazie typu Shan Shui (Gur-Wood). W odbiorze chińskiego krajobrazu znaczącą rolę odegrały inskrypcje poetyckie, motywy symboliczne uosabiające wzniosłe walory duchowe (sosna górska, bambus, dzika śliwka „meihua”), postacie ludzkie zamieszkujące przestrzeń, która ze względu na wprowadzenie wydaje się nieograniczona rozległych górskich panoram w kompozycję, tafle wody i mglistą mgłę. Poszczególne plany przestrzenne chińskiego krajobrazu nie są rozgraniczone, lecz swobodnie przenikają w siebie, podporządkowując się ogólnemu projektowi dekoracyjnemu płaszczyzny obrazu. Do największych mistrzów chińskiego krajobrazu (którzy pojawili się w VI w.) zaliczają się Guo Xi (XI w.), Ma Yuan, Xia Gui (obaj – koniec XII – pierwsza połowa XIII w.), Mu-qi ( pierwsza połowa XIII w.). Krajobraz japoński, ukształtowany w XII-XIII wieku. i pozostawał pod silnym wpływem sztuki chińskiej, wyróżnia się podwyższoną jakością graficzną (np. w Sesshu, XV w.), tendencją do podkreślania pojedynczych, najkorzystniejszych dekoracyjnie motywów, wreszcie (w XVIII-XIX w.) aktywna rola człowieka w przyrodzie (pejzaże Katsushiki Hokusai i Ando Hiroshige).
W sztuce zachodnioeuropejskiej XII-XV wieku. tendencja do zmysłowo przekonującej interpretacji świata prowadzi do tego, że tło pejzażowe zaczyna być rozumiane jako zasadniczo ważna część dzieła sztuki. Konwencjonalne (złote lub ozdobne) tła zastępowane są pejzażowymi, często zamieniającymi się w szeroką panoramę świata (Giotto i A. Lorenzetti we Włoszech w XIV w.; miniaturzyści burgundzcy i holenderscy XIV-XV w.; bracia H. i XV w. J. van Eyck w Niderlandach, K. Witz i L. Moser w Szwajcarii i Niemczech w pierwszej połowie XV w.). Artyści renesansu zwrócili się w stronę bezpośredniego studiowania natury, tworzyli szkice i szkice akwarelowe, opracowywali zasady perspektywicznego konstruowania przestrzeni krajobrazowej, kierując się koncepcjami racjonalności praw wszechświata i wskrzeszając ideę krajobrazu jako prawdziwego człowieka siedlisko (ten ostatni punkt był szczególnie charakterystyczny dla włoskich mistrzów Quattrocento). Ważne miejsce w historii krajobrazu zajmują dzieła A. Mantegny, P. Uccello, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci, Gentile i Giovanni Bellini, Giorgione, Tycjana, Tintoretto we Włoszech, Hugo van der Goes, Hertgen tot Sint-Jans, H. Bosch w Holandii, A. Durer, M. Niethardt w Niemczech, mistrzowie szkoły naddunajskiej w Niemczech i Austrii. W sztuce renesansu stworzyły się przesłanki do powstania niezależnego gatunku pejzażu, który ukształtował się początkowo w grafice (A. Durer i szkoła naddunajska) oraz w małych kompozycjach malarskich, gdzie obraz natury albo stanowi jedyny treść obrazu (A. Altdorfer) lub króluje nad scenami pierwszoplanowymi (Holender I. Patinir). O ile włoscy artyści starali się podkreślać harmonijną współbrzmienie zasad ludzkich i naturalnych (Giorgione, Tycjan), a na tle krajobrazu miejskiego ucieleśniać ideę idealnego środowiska architektonicznego (Rafael), to niemieccy mistrzowie szczególnie chętnie zwracali się do dzikiej naturze, często nadając jej katastrofalnie burzliwy wygląd. Połączenie aspektów krajobrazowych i gatunkowych, typowe dla krajobrazu holenderskiego, prowadzi do najbardziej uderzających rezultatów w twórczości P. Bruegla Starszego, którego charakterystycznymi cechami jest nie tylko wielkość kompozycji panoramicznych, ale także najgłębsza penetracja charakter życia ludowego, organicznie związany ze środowiskiem krajobrazowym. W XVI - początkach XVII wieku. Wielu holenderskich mistrzów (Herri met de Bles, Josse de Momper, Gillis van Coninksloe) splatało tradycyjne cechy renesansowego pejzażu, subtelne obserwacje życia z manierystyczną fantazją, podkreślając subiektywny i emocjonalny stosunek artysty do świata.
Na początku XVII wieku. w twórczości Włocha An. Carracci, Holender P. Briel i Niemiec A. Elsheimer formułują zasady „idealnego” krajobrazu, podporządkowanego idei rozsądnego prawa ukrytego pod zewnętrznym zróżnicowaniem różnych aspektów przyrody. W sztuce klasycyzmu ostatecznie utrwalił się system konwencjonalnej, zakulisowej, trójpłaszczyznowej kompozycji i utwierdziła się zasadnicza różnica między szkicem lub szkicem a ukończonym malarstwem pejzażowym. Wraz z tym krajobraz staje się nośnikiem wysokich treści etycznych, co jest szczególnie charakterystyczne dla twórczości N. Poussina i C. Lorraina, których dzieła reprezentują dwie wersje „idealnego” krajobrazu – heroiczną i idylliczną. W pejzażu barokowym (flamandzki P. P. Rubens, Włosi S. Rosa i A. Magnasco) pierwszeństwo ma żywiołowa siła natury, czasami zdając się przytłaczać człowieka. Elementy malarstwa z natury, w plenerze ( cm. Plenery) pojawiają się w pejzażach D. Velazqueza, charakteryzujących się niezwykłą świeżością percepcji. Holenderscy malarze i graficy XVII wieku. (J. van Goyen, H. Segers, J. van Ruisdael, M. Hobbema, Rembrandt, J. Wermeer z Delft), szczegółowo rozwijając perspektywę światło-powietrze i system odcieni-wartości, łącząc w swoich dziełach poezję poczucie naturalnego życia przyrody, jej wiecznej zmienności, idea wielkości nieskończonych przestrzeni naturalnych z ideą ścisłego związku natury z codzienną egzystencją człowieka. Holenderscy mistrzowie tworzyli różnorodne typy krajobrazów (m.in. mariny i pejzaże miejskie).
Od XVII wieku Upowszechniły się topograficzne poglądy pejzażowe (rytownicy: Niemiec M. Merian i Czech V. Gollar), których rozwój w dużej mierze zdeterminowany został zastosowaniem kamery obscura, która umożliwiała przeniesienie poszczególnych motywów na płótno lub papier z niespotykaną dotąd precyzja. Taki krajobraz w XVIII wieku. osiąga swój szczyt w nasyconych powietrzem i światłem wedytach Canaletta i B. Belotto, w dziełach F. Guardiego, które otwierają jakościowo nowy etap w historii krajobrazu i wyróżniają się mistrzowskim odwzorowaniem zmieniającego się światła -środowisko powietrzne. Zobacz krajobraz w XVIII wieku. odegrał decydującą rolę w rozwoju krajobrazu tych krajów europejskich, gdzie aż do XVIII wieku. nie istniał samodzielny gatunek pejzażu (m.in. w Rosji, gdzie największymi przedstawicielami tego typu pejzażu byli graficy A.F. Zubow, M.I. Makhaev i malarz F.Ya. Aleksiejew). Szczególne miejsce zajmują graficzne pejzaże G.B. Piranesiego, który romantyzował ruiny i pomniki architektury starożytnej i nadał im nadludzką wielkość. Tradycja „idealnego” krajobrazu zyskała znakomicie dekoracyjną interpretację w epoce rokoka (Pejzaż przedstawiający ruiny Francuza Y. Roberta), ale w ogóle „idealny” krajobraz, który przyjął (pod nazwą historyczną lub mitologiczną) charakter drugorzędne miejsce w klasycystycznym systemie gatunków przez cały XVIII wiek V. degeneruje się w kierunku akademickim, podporządkowując motywy naturalne abstrakcyjnym prawom klasycznej kompozycji. Trendy przedromantyczne można dostrzec w intymnych i lirycznych tłach parkowych w malarstwie A. Watteau, J. O. Fragonarda we Francji, a także w twórczości twórców angielskiej szkoły krajobrazu – T. Gainsborough, R. Wilsona .
Pod koniec XVIII – pierwsza połowa XIX wieku. w krajobrazie dominują tendencje romantyzmu (J. Crome, J. S. Cotman, J. R. Cozens, J. M. W. Turner w Wielkiej Brytanii; J. Michel we Francji; K. D. Friedrich, L. Richter w Niemczech; J. A. Koch w Austrii; J. K. K. Dahl w Norwegii ;pejzaż odgrywał także ogromną rolę w twórczości F. Goyi i T. Géricaulta). Znaczenie krajobrazu w artystycznym systemie romantyzmu tłumaczy się tym, że romantycy przybliżali życie duszy ludzkiej do życia natury, traktując powrót do środowiska naturalnego jako sposób na skorygowanie moralnych i społecznych niedoskonałości człowieka . Wykazali się szczególną wrażliwością na indywidualną wyjątkowość poszczególnych stanów przyrody i niepowtarzalność krajobrazów narodowych. Te ostatnie cechy są niezwykle charakterystyczne dla twórczości Anglika J. Constable'a, który w największym stopniu przyczynił się do ewolucji krajobrazu w kierunku realnych obrazów, zachowujących świeżość pełnowymiarowego szkicu. Uogólnienia, poetyckie oświecenie postrzegania świata, a także zainteresowanie problematyką pleneru są charakterystyczne dla mistrzów, którzy stali u zalążków narodowych szkół europejskich pejzaży realistycznych (wczesny C. Corot we Francji; częściowo C. Blechen w Niemczech, A. A. Iwanow, częściowo S. F. Szczedrin i M.I. Lebiediew w Rosji).
Przedstawiciele krajobrazu realistycznego połowy i drugiej połowy XIX wieku. (Coro, mistrzowie szkoły Barbizon, G. Courbet, J. F. Millet, E. Boudin we Francji; Macchiaioli we Włoszech; A. Menzel i częściowo szkoła düsseldorfska w Niemczech; J. B. Jongkind i szkoła haska w Holandii itd.) stopniowo eliminował literacką skojarzeniowość romantycznego pejzażu, próbując ukazać samoistną wartość przyrody poprzez ukazanie obiektywnej istoty zachodzących w niej procesów. Pejzażyści tego okresu poszukiwali naturalności i prostoty kompozycji (w szczególności rezygnując w większości z widoków panoramicznych), szczegółowo opracowując relacje światła i cienia oraz wartości, które pozwoliły oddać materialną namacalność środowiska naturalnego. Etyczne i filozoficzne brzmienie krajobrazu, odziedziczone po romantyzmie, przybiera obecnie bardziej demokratyczny kierunek, przejawiający się w coraz większym włączaniu w krajobraz ludzi i scen pracy wiejskiej.
W rosyjskim krajobrazie XIX wieku. Tradycje romantyczne odgrywają wiodącą rolę w twórczości M. N. Worobiowa i I. K. Aiwazowskiego. W drugiej połowie XIX w. Rozkwitł pejzaż realistyczny (którego podwaliny powstały w twórczości A. G. Venetsianova, a zwłaszcza A. A. Iwanowa), ściśle związany z działalnością Wędrowców. Pokonując sztuczność i teatralność akademickiego pejzażu, rosyjscy artyści zwrócili się ku swojej rodzimej naturze (L. L. Kamieniew, M. K. Klodt), której motywy są szczególnie monumentalne i epickie w twórczości I. I. Szyszkina. Tendencja do przedstawiania przejściowych stanów natury, liryczne bogactwo charakterystyczne dla twórczości A. K. Savrasowa, nabiera u F. A. Wasiliewa dramatycznego i intensywnego odcienia. Późnoromantyczne trendy przejawiają się w twórczości A. I. Kuindzhiego, który połączył zamiłowanie do mocnych efektów świetlnych z dekoracyjną interpretacją płaszczyzny obrazu. Pod koniec XIX wieku. linia pejzażu emocjonalno-lirycznego, często przesiąknięta motywami żałoby obywatelskiej, ma swoją kontynuację w tzw. pejzażu nastrojowym; Do tego rodzaju pejzaży zaliczają się naznaczone łagodną kontemplacją prace V. D. Polenova, a zwłaszcza płótna I. I. Lewitana, który łączył intymny psychologizm i najsubtelniejsze przekazywanie stanów natury z wysublimowaną filozoficzną interpretacją motywów pejzażowych.
Krajobraz zyskał dominujące znaczenie wśród mistrzów impresjonizmu (C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley i in.), którzy uznawali pracę na świeżym powietrzu za niezbędny warunek kreowania obrazu pejzażowego. Najważniejszym elementem krajobrazu, impresjoniści, stworzyli wibrujące, jasne środowisko bogate w kolorowe odcienie, otulające przedmioty i zapewniające wizualną nierozerwalność natury i człowieka. Próbując uchwycić różnorodną zmienność stanów natury, często tworzyli cykle pejzażowe połączone jednym motywem (Monet). Ich prace odzwierciedlały także dynamikę współczesnego życia miejskiego, dzięki czemu krajobraz miejski uzyskał równość z wizerunkami natury. Na przełomie XIX i XX wieku. W krajobrazie wyłania się kilka kierunków, które rozwijają zasady pejzażu impresjonistycznego i jednocześnie wchodzą z nimi w antagonistyczną relację. P. Cezanne podkreślał w swoich pracach monumentalną siłę i wyraźną konstruktywność naturalnych krajobrazów. J. Seurat podporządkował motywy pejzażowe ściśle wykalibrowanym, planarnym i dekoracyjnym strukturom. V. van Gogh dążył do wzmożonej, często tragicznej, psychologicznej asocjatywności obrazów krajobrazu, nadając poszczególnym szczegółom krajobrazu niemal ludzką animację. W pracach P. Gauguina, bliskich pejzażowi symboliki i wyróżniających się dźwięcznością rytmicznych lokalnych płaszczyzn kolorystycznych, obraz idyllicznego krajobrazu zostaje radykalnie przemyślany. Artyści związani z symboliką i stylem secesyjnym (Nabi we Francji, F. Hodler w Szwajcarii, E. Munch w Norwegii, A. Gallen-Kallela w Finlandii) wprowadzili do krajobrazu ideę tajemniczego pokrewieństwa człowieka z „ materia.”krainy” (stąd popularne w tym okresie rodzaje snu-pejzażu i pamięci-pejzażu), rozgrywane w swoich kompozycjach różnego rodzaju formami „poprzez” (gałęzie, korzenie, łodygi itp.), których ozdobne ułożenie stwarza iluzję bezpośredniego naśladowania rytmów samej natury. Jednocześnie nasiliły się poszukiwania uogólnionego obrazu ojczyzny, charakterystycznego dla narodowych ruchów romantycznych, nasilonego, często nasyconego folklorem czy reminiscencjami historycznymi i łączącego w sobie najbardziej utrwalone znaki krajobrazu narodowego (Polak F. Ruszczyc, czeski A. Slaviczek, Rumun S. Lukyan, Łotysz V. Purvit).
W sztuce XX wieku. wielu mistrzów stara się znaleźć najbardziej trwałe cechy konkretnego motywu krajobrazu, oczyszczając go ze wszystkiego, co „przejściowe” (przedstawiciele kubizmu), inni za pomocą radosnych lub dramatycznie intensywnych harmonii kolorów podkreślają wewnętrzną dynamikę krajobrazu , a czasem także jego tożsamość narodowa (przedstawiciele fowizmu i bliskich im mistrzów we Francji, Jugosławii, Polsce oraz ekspresjonizm w Niemczech, Austrii i Belgii), inni, po części pod wpływem fotografii artystycznej, przesuwają główny akcent na fanaberię i psychologię wyrazistość motywu (przedstawiciele surrealizmu). W twórczości wielu przedstawicieli tych ruchów tendencja do deformowania obrazu pejzażu, często czyniąc go pretekstem do abstrakcyjnych konstrukcji, była drogą przejścia do sztuki abstrakcyjnej (podobną rolę pełnił pejzaż m.in. np. w pracach Holendra P. Mondriana, Szwajcara P. Klee i Rosjanina V. V. Kandinsky’ego). W XX wieku W Europie i Ameryce krajobraz przemysłowy stał się powszechny, często interpretując świat technologii jako swego rodzaju antynaturę, nieodparcie wrogiego ludziom (C. Demuth, N. Spencer, C. Sheeler w USA, P. Bruening w Niemczech ). Pejzaż miejski futurystów i ekspresjonistów często przybiera ostro agresywny lub wyobcowany wygląd, przesiąknięty nastrojami tragicznej beznadziejności lub melancholii. Cecha ta jest również nieodłączna od twórczości wielu mistrzów realizmu (M. Utrillo we Francji, E. Hopper w USA). Jednocześnie szybko rozwija się krajobraz o charakterze realistycznym i narodowo-romantycznym, w którym obrazy nieskazitelnie pięknej przyrody często zamieniają się w bezpośrednią antytezę cywilizacji kapitalistycznej (B. Palencia w Hiszpanii, Kjarval na Islandii, „grupa siedem” w Kanadzie, R. Kent w USA, A. Namatjira w Australii).
W krajobrazie Rosji przełomu XIX i XX wieku. realistyczne tradycje drugiej połowy XIX wieku. splatała się z wpływami impresjonizmu i secesji. Zbliżone do pejzażowego nastroju Lewitana, ale bardziej kameralne w duchu, są dzieła V. A. Serowa, P. I. Pietrowiczowa, L. V. Turżanskiego, przedstawiające przeważnie skromne widoki, pozbawione zewnętrznej popisowości i wyróżniające się szkicową spontanicznością kompozycji i koloru. Połączenie lirycznych intonacji ze zwiększoną dźwięcznością koloru jest charakterystyczne dla twórczości K. A. Korovina, a zwłaszcza I. E. Grabara. Cechy narodowo-romantyczne są nieodłącznie związane z twórczością A. A. Ryłowa i kompozycjami pejzażowo-gatunkowymi K. F. Yuona; moment folklorystyczny, historyczny czy literacki odgrywa ważną rolę u A. M. Wasnetsowa, M. V. Niestierowa, N. K. Roericha, a także w „bohaterskim” pejzażu K. F. Bogajewskiego. Wśród mistrzów „Świata sztuki” kultywowany był typ pamięci pejzażowej (L. S. Bakst, K. A. Somov), powstawały widoki historyczne i architektoniczne nasycone nutami elegijnymi (A. N. Benois, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva), wysoce dramatyczny krajobraz miasta (M. V. Dobuzhinsky). Wśród wariacji na temat surrealistycznego krajobrazu sennego w duchu V. E. Borysowa-Musatowa, typowych dla artystów Błękitnej Róży, wyróżniają się orientalistyczne kompozycje P. V. Kuzniecowa i M. S. Saryana, a także obrazy N. P. Krymowa, dążącego do ścisłych równowaga rozwiązań kolorystycznych i kompozycyjnych. W pejzażu mistrzów „Jack of Diamonds” bogactwo kolorystyki i pełna temperamentu, swobodna maniera malarska odsłaniają plastyczne bogactwo i barwność natury.
Dla krajobrazu sowieckiego, rozwijającego się w duchu socrealizmu, najbardziej charakterystyczne są obrazy, które ukazują afirmujące życie piękno świata, jego ścisły związek z przemieniającą działalnością ludzi. Na tym obszarze pojawili się mistrzowie, którzy pojawili się w okresie przedrewolucyjnym, ale po rewolucji październikowej 1917 r. weszli w nową fazę twórczości (V.N. Baksheev, Grabar, Krymov, A.V. Kuprin, Ostroumova-Lebedeva, Rylov, Yuon itp.) , a także artyści, których działalność jest całkowicie związana z czasami sowieckimi (S. V. Gerasimov, A. M. Gritsai, N. M. Romadin, V. V. Meshkov, S. A. Chuikov). W latach 20 wyłania się radziecki krajobraz przemysłowy (B. N. Jakowlew i in.). Inspirowany patosem budownictwa socjalistycznego kształtuje się rodzaj pejzażu pamiątkowego (np. płótna W.K. Białynickiego-Biruły z widokami na Wzgórza Lenina i Jasną Polanę). W latach 30-50. Coraz popularniejsze stają się monumentalne obrazy pejzażowe, oparte na gruntownym przemyśleniu materiału szkicowego. W twórczości radzieckich pejzażystów coraz częściej wyłania się syntetyczny obraz Ojczyzny poprzez cechy konkretnej miejscowości, dzięki czemu nawet widoki tradycyjnie kojarzone z romantyczną koncepcją krajobrazu (na przykład krajobrazy Krymu czy Dalekiej Północy) stracić dotyk egzotycznej alienacji. Artystów pociągają motywy, które pozwalają im ukazać interakcję form przemysłowych i naturalnych, dynamiczne zmiany w przestrzennym postrzeganiu świata związane z przyspieszającym tempem współczesnego życia (A. A. Deineka, G. G. Nissky, P. P. Ossovsky). W republikańskich szkołach radzieckiego malarstwa pejzażowego wiodącą rolę odgrywają dzieła I. I. Bokshaia, A. A. Shovkunenki na Ukrainie, D. Kakabadze w Gruzji, Saryana w Armenii, U. Tansykbaeva w Uzbekistanie, A. Zhmuidzinavichyusa i A. Gudaitisa w Litwa, E. Keats w Estonii. W latach 60-80. Zasada obrazu pejzażowego zachowuje swoje znaczenie, jednak na pierwszy plan wysuwa się tendencja do wzmożonej wyrazistości faktury i koloru, w kierunku nagich rytmów kompozycyjnych, aktywnie oddziałujących na odbiorcę. Do najważniejszych radzieckich malarzy pejzażystów, którzy pojawili się w latach 50. i 70., należą L. I. Brodskaya, B. F. Domashnikov, E. I. Zverkov, T. Salakhov, V. M. Sidorov, V. F. Stozharov , I. Shvazhas.
„Pałac w Luoyang”. Jedwab, tusz, farby wodne. VIII wiek
J.Wermer. „Widok Delftu”. Około 1658. Mauritshuis. Haga.
K. Lorrain. „Odejście św. Urszuli”. 1646. Galeria Narodowa. Londyn.
J. Konstabl. „Młyn w Dedham”. Około 1819 r. Galeria Tate. Londyn.
Tj. Grabar. „Aleja Brzozowa”. 1940. Galeria Trietiakowska. Moskwa.
G. G. Nissky. „Region moskiewski. Luty”. 1957. Galeria Trietiakowska. Moskwa.
MK Avetisyan. „Jesienny krajobraz”. 1973. Zbiory prywatne. Erewan.
Literatura: Fiodorow-A. Davydov, Krajobraz rosyjski XVIII - początków XIX wieku, M., 1953; jego, Krajobraz sowiecki, M., 1958; jego, pejzaż rosyjski przełomu XIX i XX w., M., 1974; F. Maltseva, Mistrzowie rosyjskiego krajobrazu realistycznego, V. 1-2, M., 1953-59; Mistrzowie radzieckiego krajobrazu o krajobrazie, M., 1963; N. A. Vinogradova, Chińskie malarstwo pejzażowe, M., 1972; N. Kalitina, francuskie malarstwo pejzażowe. 1870-1970, L., 1972; Problematyka krajobrazu w sztuce europejskiej XIX wieku, M., 1978; O. R. Nikulina, Natura oczami artysty, M., 1982; Santini P. S., Nowoczesne malarstwo pejzażowe, L, 1972; Pochat G., Figur und Landschaft, B.-N. Y., 1973; Clark K., Krajobraz w sztuce, L., 1976; Wedewer R., Landshedsmalerei zwischen Traum und Wirklichkeit, Köln, 1978; Baur Ch., Landschaftsmalerei der Romantik, Munch., 1979; Strisik P., Sztuka malarstwa pejzażowego, N. Y., 1980.
Źródło: „Encyklopedia sztuki popularnej”. wyd. Polevoy V.M.; M.: Wydawnictwo „Encyklopedia Radziecka”, 1986.)
sceneria(francuski paysage, from pays - country, locality), gatunek malarstwa poświęcony przedstawieniu natury w całej różnorodności jej form, przejawów, stanów, zabarwionej osobistą percepcją artysty.
Krajobraz pojawił się po raz pierwszy jako niezależny gatunek w Chinach (ok. VII w.). Chińscy artyści osiągnęli w swoich pejzażach wyjątkową duchowość i filozoficzną głębię. Na długich, poziomych lub pionowych jedwabnych zwojach nie pisali poglądów natury, ale całościowy obraz wszechświata, w którym rozpływa się człowiek (por. Sztuka chińska).
W sztuce zachodnioeuropejskiej gatunek pejzażu ukształtował się w Holandii w pierwszej połowie. XVII wiek Jednym z jej założycieli był I. Patinir, mistrz panoramicznych widoków, na których umieszczono małe figurki postaci biblijnych lub mitologicznych. H. Averkamp, J. van Goyen, a później J. van Ruisdael i inni artyści wnieśli swój wkład w rozwój krajobrazu. Gatunki morskie zajmowały duże miejsce w holenderskim krajobrazie - przystań. W stronę dokumentalnego krajobrazu miejskiego - Ołów- apelowali Włosi, zwłaszcza mistrzowie weneccy. Canaletto reprezentował Wenecję w okresie jej dobrobytu. Subtelne fantazje poetyckie na tematy życia weneckiego stworzył F. Guardi. W sztuce francuskiej XVII wieku. krajobraz ukształtowany zgodnie ze stylem klasycyzm. Natura, pełna potężnych i bohaterskich sił, pojawia się w obrazach N. Poussin; idealne krajobrazy, które ucieleśniały marzenie o złotym wieku, pisał K. Lorrain.
Na początku działał jako reformator europejskiego malarstwa pejzażowego. 19 wiek Angielski artysta J. Policjant. Jako jeden z pierwszych malował szkice w plenerze, przyglądając się naturze „bezstronnym spojrzeniem”. Jego prace wywarły niezatarte wrażenie na malarzach francuskich i stały się impulsem do rozwoju pejzażu realistycznego we Francji (K. Koro i artyści Szkoła w Barbizonie). Jeszcze bardziej złożone zadania malarskie stawiali sobie artyści impresjoniści (K. monet, O. Renoira, DO. Pisaro, A. Sisleya itd.). Na ich płótnach ucieleśniona jest gra blasku słońca na liściach, twarzach, ubraniach ludzi, zmiana wrażeń i oświetlenia w ciągu jednego dnia, wibracja powietrza i wilgotna mgła. Artyści często tworzyli serię pejzaży z jednym motywem („Katedra w Rouen” Moneta o różnych porach dnia, 1893-95). W „słonecznych” obrazach impresjonistów po raz pierwszy radośnie zabrzmiały czyste, nie zmieszane na palecie kolory. Pejzaże zostały w całości namalowane plenerze, z życia.
W sztuce rosyjskiej pejzaż jako odrębny gatunek pojawił się ostatecznie. 18 wiek Jej założycielami byli architekci, dekoratorzy teatralni i mistrzowie widoków perspektywicznych. W Akademia Sztuk Pięknych w Petersburgu pejzażyści wychowywani byli w duchu klasycyzmu. Mieli stworzyć widoki przedstawiające ich rodzimą przyrodę w oparciu o modele słynnych obrazów z przeszłości, a przede wszystkim dzieł Włochów z XVII i XVIII wieku. W warsztacie „komponowano” krajobrazy, dlatego np. Północna i wilgotna Gatczyna (koło Sankt Petersburga) wyglądała na płótnach Siemiona Fedorowicza Szczedrina podobnie jak słoneczne Włochy („Kamienny most w Gatczynie niedaleko Place de la Connetable” , 1799–1800). Pejzaże heroiczne tworzył F. M. Matwiejew, nawiązując głównie do widoków włoskiej przyrody („Widok Rzymu. Koloseum”, 1816). F. Tak. Aleksiejew z wielką serdecznością i ciepłem malował widoki architektoniczne stolic i miast prowincjonalnych Rosji. W rosyjskich krajobrazach XVIII wieku, budowanych według zasad klasycyzmu, główny „bohater” (najczęściej starożytna budowla architektoniczna) znajdował się w centrum; drzewa lub krzewy po obu stronach służyły za sceny; przestrzeń została wyraźnie podzielona na trzy płaszczyzny, z obrazem na pierwszym planie w tonacji brązu, na drugim w zieleni, a w tle w kolorze niebieskim.
era romantyzm przynosi nowe trendy. Krajobraz uważany jest za ucieleśnienie duszy wszechświata; natura, podobnie jak dusza ludzka, przejawia się w dynamice, w wiecznej zmienności. Sylwester Feodosiewicz Szczedrin, bratanek Siemiona Fedorowicza Szczedrina, który pracował we Włoszech, jako pierwszy malował pejzaże nie w studiu, ale na świeżym powietrzu, osiągając większą naturalność i prawdziwość w przekazywaniu środowiska świetlnego. Żyzna ziemia Włoch, wypełniona światłem i ciepłem, staje się w jego obrazach spełnieniem marzeń. Jest tu tak, jakby słońce nigdy nie zachodziło i królowało wieczne lato, a ludzie byli wolni, piękni i żyli w zgodzie z naturą („Brzeg w Sorrento z widokiem na wyspę Capri”, 1826; „Taras nad brzegiem morza” , 1928). Romantyczne motywy z efektami księżycowego światła, ponurą poezją ciemnych nocy lub blaskiem błyskawic przyciągnęły M. N. Worobiowa („Jesienna noc w Petersburgu. Molo z egipskimi sfinksami nocą”, 1835; „Dąb rozbity przez piorun”, 1842). Podczas swojej 40-letniej służby w Akademii Sztuk Worobiow wyszkolił plejada wybitnych malarzy pejzaży, wśród których był słynny malarz morski I.K. Aiwazowski.
W malarstwie istnieje druga płeć. 19 wiek Krajobraz zajmował ważne miejsce w twórczości Podróżnicy. Rewelacją dla rosyjskiej publiczności były obrazy A.K. Savrasowa(„Przybyły gawrony”, 1871; „Wiejska droga”, 1873), który odkrył skromne piękno rosyjskiej przyrody i potrafił szczerze ujawnić na swoich płótnach jej najgłębsze życie. Savrasov stał się założycielem lirycznego „pejzażu nastrojów” w malarstwie rosyjskim, którego linię kontynuował F.A. Wasiliew(„Odwilż”, 1871; „Mokra łąka”, 1872) i I.I. Lewitan(„Dzwony wieczorne”, 1892; „Złota jesień”, 1895). I.I. Szyszkin, w przeciwieństwie do Savrasowa, śpiewał o bohaterskiej sile, obfitości i epickiej potędze ziemi rosyjskiej („Żyto”, 1878; „Forest Dales”, 1884). Jego obrazy fascynują nieskończonością przestrzeni, ogromem wysokiego nieba, potężnym pięknem rosyjskich lasów i pól. Cechą charakterystyczną jego stylu malarskiego była staranność rysowania detali połączona z monumentalnością kompozycji. Krajobrazy AI Kuindzhi zdumiewał współczesnych efektami światła księżyca i światła słonecznego. Wyrazistość szeroko i swobodnie malowanych obrazów „Księżycowa noc nad Dnieprem” (1880) i „Brzozowy gaj” (1879) opiera się na precyzyjnie dobranych kontrastach świetlnych i kolorystycznych. V.D. Polenow w obrazach „Dziedziniec Moskiewski” i „Ogród Babci” (oba z 1878 r.) subtelnie i poetycko oddał urok życia w starożytnych „szlacheckich gniazdach”. Jego prace malowane są ledwo wyczuwalnymi nutami smutku i nostalgii za przemijającą kulturą.
Na przełomie XIX i XX w. K.A. Korowin(„Kawiarnia Paryska”, lata 90. XIX w.) i I.E. Grabara(„Luty Lazur”, 1904) malował widoki natury w duchu impresjonizm. P.V. Kuzniecow, K.S. Pietrow-Wodkin, K.F. Bogajewski, SM. Saryan i inni tworzyli pejzaże, które przenoszą widza w świat marzeń o odległych krainach nietkniętych cywilizacją, o minionych wielkich epokach. Mistrzowie sztuki radzieckiej kontynuowali wielkie tradycje swoich poprzedników. Pojawił się nowy gatunek krajobrazu przemysłowego, wyraźnie odzwierciedlający afirmujący życie patos epoki (B. N. Jakowlew, G. G. Nissky, P. P. Ossovsky i in.). w kon. 20 – początek 21. Wiek krajobraz wciąż przyciąga malarzy różnych pokoleń (N. M. Romadin, N. I. Andronov, V. F. Stozharov, I. A. Starzhenetskaya, N. I. Nesterowa itd.)
Krótka wycieczka do historii rozwoju gatunku krajobrazu
W tłumaczeniu z francuskiego słowo „krajobraz” (paysage) oznacza „naturę”. Jest to nazwa gatunku w sztuce, którego głównym zadaniem jest reprodukcja natury naturalnej lub stworzonej przez człowieka.
Ponadto pejzaż to specyficzne dzieło sztuki w malarstwie lub grafice, które ukazuje widzowi naturę. „Bohaterem” takiego dzieła jest naturalny lub wymyślony przez autora motyw naturalny.
„Port morski”, I wiek, obraz ze Stabiae
Elementy krajobrazu odnaleźć można już w malowidłach naskalnych. W epoce neolitu prymitywni rzemieślnicy schematycznie przedstawiali rzeki lub jeziora, drzewa i głazy na ścianach jaskiń. Na płaskowyżu Tassilin-Ajer na Saharze odkryto malowidła przedstawiające sceny polowań i zaganiania stada. Obok postaci zwierząt i ludzi starożytny artysta schematycznie nakreślił prosty pejzaż, który nie pozwala określić miejsca akcji. W sztuce starożytnego Wschodu i Krety motyw pejzażu jest dość powszechnym detalem malowideł ściennych. Tak więc niedaleko wioski Beni Hasan w środkowym Egipcie odkryto skalne grobowce starożytnych egipskich władców żyjących w XXI-XX wieku p.n.e. Jeden z wielu fresków pokrywających ściany komór grobowych przedstawia dzikiego kota polującego w gęstych zaroślach. Wśród malowideł w salach słynnego pałacu w Knossos na Krecie odkryto obraz, który badacze nazwali „Kuropatwy w skałach”.
W starożytnym rzymskim mieście Stabia, zniszczonym podobnie jak Pompeje podczas erupcji Wezuwiusza, wśród innych obrazów znalezionych w jednym z domów patrycjuszowskich, wyróżnia się fresk „Port morski”, przedstawiający prawdziwy pejzaż morski.
Krajobraz jako samodzielny gatunek pojawił się już w VI wieku w sztuce chińskiej. Malowidła średniowiecznych Chin bardzo poetycko oddają otaczający nas świat. Duchowy i majestatyczny charakter tych prac, wykonanych głównie tuszem na jedwabiu, jawi się jako rozległy wszechświat, który nie ma granic. Tradycje chińskiego malarstwa pejzażowego wywarły ogromny wpływ na sztukę japońską. Niestety zakres naszej publikacji nie pozwala na szczegółowe omówienie pejzażystek Chin i Japonii – to temat na osobną książkę.
W Europie krajobraz jako odrębny gatunek pojawił się znacznie później niż w Chinach i Japonii. W średniowieczu, kiedy miały prawo istnieć wyłącznie kompozycje religijne, pejzaż był interpretowany przez malarzy jako obraz siedliska bohaterów.
P. de Limburgia. „Miesiąc marzec”, XV w., z „Luksusowej księgi godzin księcia Berry”
Europejscy miniaturzyści odegrali ważną rolę w powstaniu malarstwa pejzażowego. W średniowiecznej Francji na dworach książąt Burgundii i Berry w latach 1410-tych pracowali utalentowani ilustratorzy, bracia Limburgowie - twórcy uroczych miniatur do Księgi Godzin księcia Berry. Te pełne wdzięku i kolorowe rysunki, opowiadające o porach roku oraz związanych z nimi pracach terenowych i rozrywkach, ukazują widzowi naturalne krajobrazy, wykonane z mistrzowskim wyczuciem perspektywy czasu.
Wyraźne zainteresowanie pejzażem widoczne jest w malarstwie wczesnego renesansu. I choć artyści nadal bardzo nieudolnie przekazują przestrzeń, zaśmiecając ją elementami krajobrazu, które nie pasują do siebie skalą, wiele obrazów świadczy o pragnieniu malarzy osiągnięcia harmonijnego i holistycznego obrazu natury i człowieka. To obraz „Procesja Trzech Króli” (pierwsza połowa XV wieku, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork) włoskiego mistrza Stefano di Giovanniego, zwanego Sasettą.
Znaczący krok naprzód w rozwoju malarstwa pejzażowego uczynił XV-wieczny szwajcarski artysta Konrad Witz, który w swojej kompozycji o tematyce religijnej pokazał konkretny obszar – brzeg Jeziora Genewskiego.
Motywy krajobrazowe zaczęły odgrywać większą rolę w okresie wysokiego renesansu. Wielu artystów zaczęło uważnie studiować naturę. Porzucając zwyczajową konstrukcję planów przestrzennych w postaci scen, sterty niespójnych w skali detali, zwrócili się ku zdobyczom naukowym z zakresu perspektywy linearnej. Teraz pejzaż przedstawiony jako całość obrazu staje się najważniejszym elementem fabuły artystycznej. I tak w kompozycjach ołtarzowych, po które sięgali malarze najczęściej, pejzaż przypomina scenę z postaciami ludzkimi na pierwszym planie.
Stefano di Giovanniego. „Procesja Trzech Króli”, pierwsza połowa XV wieku, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork
Pomimo tak wyraźnego postępu, aż do XVI wieku artyści włączali do swoich dzieł detale pejzażowe jedynie jako tło dla sceny religijnej, kompozycji gatunkowej czy portretu. Najwyraźniejszym tego przykładem jest słynny portret Mony Lisy (ok. 1503, Luwr, Paryż), namalowany przez Leonarda da Vinci.
Wielki malarz z niezwykłą umiejętnością przekazał na swoim płótnie nierozerwalny związek człowieka z naturą, ukazał harmonię i piękno, które od wielu wieków wprawiają widza w zachwyt przed La Giocondą.
Za plecami młodej kobiety otwierają się bezkresne przestrzenie wszechświata: szczyty gór, lasy, rzeki i morza. Ten majestatyczny krajobraz utwierdza w przekonaniu, że ludzka osobowość jest tak samo różnorodna i złożona jak świat przyrody. Ludzie jednak nie są w stanie pojąć licznych tajemnic otaczającego ich świata, co zdaje się potwierdzać tajemniczy uśmiech na ustach Giocondy.
Leonardo da Vinci. „La Gioconda”, ok. 1503, Luwr, Paryż
Stopniowo pejzaż wyszedł poza inne gatunki artystyczne. Ułatwił to rozwój malarstwa sztalugowego. W małoformatowych obrazach holenderskiego mistrza I. Patinera i niemieckiego artysty A. Altdorfera w scenach ukazanych na pierwszym planie zaczyna dominować pejzaż.
Wielu badaczy uważa Albrechta Altdorfera za twórcę niemieckiego malarstwa pejzażowego. Małe postacie ludzkie na jego płótnie „Krajobraz leśny z bitwą pod św. Jerzem” (1510, Alte Pinakothek, Monachium) gubią się wśród potężnych pni drzew, których potężne korony chronią ziemię przed światłem słonecznym.
Późniejsze „Krajobraz naddunajski” (ok. 1520-1525, Alte Pinakothek, Monachium) i „Krajobraz z zamkiem Werth” (ok. 1522-1530, Alte Pinakothek, Monachium) wskazują, że obecnie obraz natury jest głównym i prawdopodobnie , jedynym zadaniem artysty.
A. Altdorfera. „Krajobraz Dunaju”, ok. 1520-1525, Alte Pinakothek, Monachium
Mistrzowie szkoły weneckiej odegrali ważną rolę w tworzeniu gatunku pejzażu. Pierwszym artystą, który przywiązywał dużą wagę do krajobrazu, był Giorgione, który tworzył na początku XVI wieku. Natura jest głównym bohaterem jego obrazu „Burza z piorunami” (ok. 1506-1507, Galleria dell'Accademia, Wenecja). Krajobraz na tym płótnie to już nie tyle środowisko, w którym człowiek żyje, ile raczej nośnik uczuć i nastrojów. „Burza z piorunami” zaprasza widza do zanurzenia się w świecie przyrody i uważnego wsłuchania się w jego głosy. W obrazie na pierwszy plan wysuwa się zasada emocjonalna, wzywająca do kontemplacji i wniknięcia w poetycki świat stworzony przez mistrza. Ogromne wrażenie robi kolor obrazu: głębokie, stonowane kolory zieleni i ziemi, ołowiano-niebieskie odcienie nieba i wody oraz złoto-różowe odcienie miejskiej zabudowy.
W innych obrazach Giorgione pejzaż odgrywa równie ważną rolę. Idea jedności człowieka i natury znajduje odzwierciedlenie w takich dziełach mistrza, jak „Trzej filozofowie” (1507-1508, Kunsthistorisches Museum, Wiedeń) i „Śpiąca Wenus” (1508, Galeria Sztuki, Drezno). W ostatniej kompozycji śpiąca młoda kobieta zdaje się uosabiać zachwycającą włoską przyrodę, przesiąkniętą gorącym południowym słońcem.
Giorgione. „Burza z piorunami”, ok. 1506-1507, Galleria dell'Accademia, Wenecja
Giorgione wywarł znaczący wpływ na Tycjana, który później stał na czele szkoły weneckiej. Tycjan odegrał ważną rolę w powstaniu wszystkich gatunków europejskiego malarstwa pejzażowego. Słynny artysta nie zignorował krajobrazu. Wiele jego płócien przedstawia majestatyczne obrazy natury. Zachwycają zacienione gaje, w których potężne drzewa chronią podróżnika przed palącymi promieniami słońca. Wśród gęstej trawy widoczne są postacie pasterzy, zwierząt domowych i dzikich. Drzewa i rośliny, ludzie i zwierzęta są dziećmi jednego świata natury, pięknymi i majestatycznymi. Już we wczesnym obrazie Tycjana „Ucieczka do Egiptu” (Ermitaż w Petersburgu) obraz natury w tle przyćmiewa smutną scenę ucieczki Świętej Rodziny do Egiptu.
Tycjanowski. „Lot do Egiptu”, Ermitaż, Petersburg
Tradycje szkoły weneckiej znalazły odzwierciedlenie w malarstwie hiszpańskiego artysty El Greco. Z pochodzenia Grek (prawdziwe nazwisko Domenikos Theotokopoulos), opuścił ojczyznę, Cypr, i udał się do Wenecji, a następnie osiadł w Hiszpanii. Do najsłynniejszych obrazów mistrza należy pejzaż „Widok Toledo” (1610-1614, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork). El Greco bardzo emocjonalnie i żywo oddaje naturę w czasie burzy. Ołowiane chmury pędzą po niebie, rozświetlane błyskawicami. Zamarznięte srebrnoszare miasto z domami, wieżami i kościołami wydaje się bajkową wizją w tajemniczym, fosforyzującym świetle. Intensywny dramat przenikający płótno pomaga artyście przekazać widzowi jego wizję konfrontacji sił ziemskich i niebiańskich.
El Greco. „Widok Toledo”, 1610-1614, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork
W Europie Północnej w XVI wieku pejzaż zyskał silną pozycję także w malarstwie.
Obrazy natury zajmują ważne miejsce w twórczości holenderskiego artysty Pietera Bruegla Starszego. Na obrazach poświęconych porom roku mistrz w duchowy i poetycki sposób pokazał surowe północne krajobrazy. Wszystkie pejzaże Bruegla ożywiają postacie ludzi zaangażowanych w codzienne czynności. Kosią trawę, zbierają żyto, zaganiają stada i polują. Spokojny i niespieszny rytm życia człowieka to także życie natury. Wydaje się, że Bruegel swoją pracą próbuje udowodnić: niebo, rzeki, jeziora i morza, drzewa i rośliny, zwierzęta i ludzie - wszystko to są cząstki wszechświata, jedyne i wieczne.
Pieter Bruegel Starszy, Ciemny dzień, 1565, Kunsthistorisches Museum, Wiedeń
W XVII wieku pojawiło się wiele szkół narodowych, ukształtowały się nowe gatunki i ich odmiany. Czas ten był bardzo udany dla dalszego rozwoju gatunku krajobrazu.
Tradycje Bruegla w dziedzinie malarstwa pejzażowego przejęli przedstawiciele szkoły holenderskiej.
Holenderska rewolucja burżuazyjna (1566-1609) ożywiła życie kulturalne kraju i przyczyniła się do twórczego postępu. W XVII wieku nastąpił niezwykły rozkwit malarstwa holenderskiego i wszystkich jego gatunków, z których najbardziej rozpowszechnionym było malarstwo pejzażowe.
Holenderscy malarze pejzażyści potrafili uchwycić na swoich płótnach kompleksowy obraz świata we wszystkich jego przejawach. Prace takich artystów jak H. Averkamp, E. van der Poel, J. Porcellis, S. de Vlieger, A.G. Cape, S. van Ruisdael i J. van Ruisdael wyrażają dumę człowieka ze swojej ziemi, podziw dla piękna morza, rodzimych pól, lasów i kanałów. Poczucie szczerej i bezgranicznej miłości do otaczającego nas świata jest odczuwalne we wszystkich pracach holenderskich malarzy pejzażystów.
Hendrik Averkamp_Krajobraz zimowy, Pinacoteca Ambrosiana, Mediolan
Kanały z żaglówkami, płaskie krajobrazy, młyny, gęste lasy, zaśnieżone wioski, ulice miast z kamiennymi domami i placami - wszystkie te znaki mówią widzowi, że jest to prawdziwy holenderski krajobraz.
Pełne lirycznego uczucia i poetyckiego uroku obrazy przedstawiają otaczający nas świat o różnych porach roku i różnych porach dnia. Ale mimo to większość tych krajobrazów przekazuje naturę w chwilach spokoju, kiedy niskie chmury powoli unoszą się nad ziemią, spowite wilgotną, mglistą atmosferą, a promienie słoneczne, przebijając się przez chmury, łatwo padają na wodę kanałów, drzew gałęzie i dachy budynków.
Większość holenderskich krajobrazów charakteryzuje się stonowaną kolorystyką, składającą się z jasnych srebrnych, oliwkowo-ochrowych, brązowawych odcieni, zbliżonych do naturalnych barw natury. Kolory te, nanoszone na płótno za pomocą cienkich, klejnotowo precyzyjnych pociągnięć, przekonująco i realistycznie oddają materialność otaczającego świata.
Jan van Goyen, twórca pejzażu realistycznego w malarstwie holenderskim, a także inny holenderski pejzażysta Philips Koninck, z dużą dokładnością pokazali wrzosowe wydmy, brzegi i rozlewnie rzeczne, drzewa, wiatraki, bagna, kanały i przestrzenie morskie.
Jan van Goyen, Rybacy
Wspaniały artysta Meindert Hobbema z subtelnym liryzmem przekazuje drogi z drzewami wzdłuż boków i leśne alejki. Cechą charakterystyczną pejzaży innego holenderskiego mistrza Alberta Cuypa jest połączenie pejzażu z gatunkiem zwierzęcym. Jego obrazy zachwycają widza bogatą i dźwięczną kolorystyką.
J. Wermeera z Delft. „Ulica”, przed 1660 r., Rijksmuseum, Amsterdam
Zainteresowanie przedstawianiem natury wykazywał także słynny holenderski malarz gatunkowy Jan Wermeer z Delft. W jego bogatym dziedzictwie twórczym znajdują się tylko dwa krajobrazy, ale nawet w nich był w stanie wykazać się największymi umiejętnościami. Cudowne miasto, obmyte deszczem i oświetlone nieśmiałymi promieniami słońca, przedstawione jest na kolorowym płótnie „Widok Delft” (przed 1660 r., Mauritshuis, Amsterdam). Cichy zakątek miasta przedstawiony jest w krajobrazie „Ulica” (przed 1660 r., Rijksmuseum, Amsterdam). Za pomocą prostego motywu Vermeerowi udało się nadać swojemu pejzażowi, wykonanemu w gamie ceglastych odcieni, głęboką treść i wymowę. Zadziwiające, jak umiejętnie artysta potrafił w swoich obrazach połączyć dokładność oddania wszelkich szczegółów z mistrzowskim oddaniem atmosfery światła i powietrza.
W XVII wieku w Holandii rozpowszechniła się jedna z odmian gatunku krajobrazu, marina. W kraju żeglarzy i rybaków krajobraz morski odniósł ogromny sukces. Do najlepszych malarzy morskich należą W. van de Velde, S. de Vlieger, J. Porcellis, J. van Ruisdael. Ten ostatni zasłynął nie tylko dzięki widokom na morze, ale także dzięki malowidłom przedstawiającym równiny, młyny wzdłuż brzegów rzek i wioski wśród wydm.
Jacob van Ruisdael – „Młyn w Wijk” (ok. 1670).
W XVII-wiecznej Holandii dużą popularnością cieszyły się pejzaże kosmopolityczne, których autorzy specjalizowali się w tworzeniu wyimaginowanych pejzaży w stylu włoskim. Ale to nie oni, ale płótna z motywami skromnej holenderskiej natury uczyniły malarstwo holenderskie tak znaczącym fenomenem kultury światowej.
W rozwoju malarstwa pejzażowego rolę odegrała także sztuka realistyczna Hiszpanii, Włoch i Francji. W twórczości Diego Velazqueza znajdują się pejzaże odzwierciedlające subtelne obserwacje wielkiego hiszpańskiego mistrza („Widok Villa Medici”, 1650-1651, Prado, Madryt). Velazquez po mistrzowsku oddaje świeżość zieleni, ciepłe odcienie światła przesuwające się po liściach drzew i wysokich kamiennych murach.
Obrazy Velazqueza są świadectwem narodzin malarstwa plenerowego: artyści opuszczając warsztaty udali się do pracy w plenerze, aby lepiej poznawać przyrodę.
D. Velazquez. „Widok Willi Medici”, 1650-1651, Prado, Madryt
W XVII wieku w sztuce klasycyzmu pojawiły się zasady tworzenia idealnego krajobrazu. Klasycy interpretowali przyrodę jako świat podlegający prawom rozumu.
Twórcą bohaterskiego pejzażu został pracujący we Włoszech francuski malarz Nicolas Poussin. Obrazy Poussina, ukazujące wielkość wszechświata, zamieszkują postacie mitologiczne, bohaterowie, którzy kultywują w widzu wzniosłe uczucia. Artysta wierząc, że głównym celem sztuki jest wychowanie człowieka, za główną wartość uważał porządek i racjonalną strukturę świata. Pisał dzieła o zrównoważonej kompozycji, wyraźnie zbudowanych planach przestrzennych i rozłożonej kolorystyce według ścisłych zasad. Poussin nie uczynił widza uczestnikiem swoich obrazów. Widzowie oglądający jego pejzaże musieli zadowolić się rolą kontemplatystów, cieszyć się obrazami i doskonalić swój umysł.
N. Poussin. „Krajobraz z Polifemem”, Ermitaż, Petersburg
W ramach klasycyzmu Claude Lorrain opracował koncepcję idyllicznego krajobrazu. Jego obrazy przepojone są duchem idealnej harmonii. Artysta tak umiejętnie buduje plany - pomniki starożytności, starożytne ruiny, drzewa o gęstych koronach, że na płótnie pozostało wystarczająco dużo miejsca, aby oddać szerokie przestrzenie morskie, lądowe i powietrzne. I jeśli w obrazach Poussina mitologiczni bohaterowie sytuują się w centrum kompozycji, to u Lorraina są to jedynie postacie pięciolinii.
Inaczej natura ukazuje się na obrazach mistrzów baroku. W przeciwieństwie do klasycystów starają się oddać dynamikę otaczającego świata, burzliwe życie żywiołów. W ten sposób krajobrazy Fleminga Petera Paula Rubensa oddają moc i piękno ziemi, potwierdzają radość istnienia, wpajając widzom poczucie optymizmu. Wszystko to można przypisać jego „Krajobrazowi z tęczą” (Ermitaż w Petersburgu), w którym mistrz uchwycił otwarte przestrzenie rozciągające się za horyzontem, wysokie wzgórza i majestatyczne drzewa, dolinę z rozległymi wioskami, pasterzami i pasterzami , stada krów i owiec. Wspaniały krajobraz zwieńcza tęcza mieniąca się delikatnymi, kolorowymi odcieniami.
P.P. Rubensa. „Krajobraz z tęczą”, Ermitaż, Petersburg
P.P. Rubensa. Krajobraz z zamkiem Sten. Około 1635 r., Galeria Narodowa w Londynie
Wyraziste emocjonalnie krajobrazy, odzwierciedlające tradycje barokowe, stworzył włoski mistrz z początku XVII wieku, Alessandro Magnasco. W jego obrazach nie ma nic idyllicznego. Pełne niepokoju ukazują złożoność porządku świata. Na płótnie „Wybrzeże” widz widzi chaotyczną kumulację szczegółów. Wzburzone fale morskie uderzają o brzeg, na którym artysta umieścił wiele postaci ludzkich. Są to Cyganie, rabusie, chłopi, pustelnicy, handlarze.
Trudno zrozumieć, co ci ludzie robią. Romantyczny krajobraz jest równie tajemniczy: wzburzone morze, drzewa o zakrzywionych pniach, ponure fortece z wieżami i wysokie, szare klify na horyzoncie.
W XVIII wieku rozpowszechniła się weduta, rodzaj pejzażu, który pojawił się w malarstwie weneckim. Wywodzi się z krajobrazu miejskiego, czyli architektonicznego, którego elementy pojawiały się w sztuce średniowiecza. Wybitnymi mistrzami wedycji byli Francesco Guardi, Antonio Canaletto, Bernardo Bellotto.
W XVIII wieku malarstwo pejzażowe uległo dalszemu rozwojowi w sztuce francuskiej. Antoine Watteau, nazywany „malarzem szarmanckich wakacji”, malował oniryczne sceny na tle wspaniałych parków. Jego pejzaże, malowane delikatnymi i pełnymi czci kolorami, są bardzo emocjonalne, przekazują różne odcienie nastroju („Pielgrzymka na wyspę Cythera”, 1717, Luwr, Paryż).
Antoine Watteau, Pielgrzymka na wyspę Cythera, 1717, Luwr
Wybitnym przedstawicielem sztuki rokokowej był francuski artysta Francois Boucher, który stworzył pejzaże pełne zmysłowego uroku.
Francois Boucher, Most
Jakby utkane z odcieni błękitu, różu, srebra, zdają się być zachwycającymi magicznymi snami („Krajobraz okolic Beauvais”, Ermitaż, St. Petersburg). Boucher studiował u innego francuskiego artysty pracującego w stylu rokoko, Jeana Honore Fragonarda, którego kolorowe krajobrazy, przesiąknięte powietrzem i światłem, oddają świeżość powietrza, ciepło promieni słonecznych, drżący ruch liści na drzewach ( „Ogrody Villa d'Este”, Wallace Collection, Londyn).
Fragonard, Wielka kaskada w Tivoli, 1760, Luwr
Nowe podejście do natury pojawiło się w sztuce w drugiej połowie XVIII wieku. W malarstwie pejzażowym Oświecenia nie pozostał ślad po dawnych idyllicznych konwencjach sztuki rocaille. Artyści starali się ukazać widzowi naturę naturalną, podniesioną do ideału estetycznego. Wielu malarzy tworzących w tym okresie zwróciło się ku starożytności, widząc w niej prototyp indywidualnej wolności. Na obrazach Huberta Roberta odtworzono majestatyczne ruiny starożytnego Rzymu. Podobnie jak inni pejzażyści swoich czasów, Robert w swoich kompozycjach łączył rzeczywistość i fikcję.
Burze morskie i porty Claude'a Josepha Verneta, oparte na obserwacjach terenowych, swoimi jasnymi efektami świetlnymi budziły zachwyt jego współczesnych. Malarstwo Verneta wywarło wpływ na przedstawicieli ruchu romantycznego, który pojawił się w sztuce europejskiej i amerykańskiej pierwszej połowy XIX wieku. Najwybitniejszymi przedstawicielami romantycznego krajobrazu w Anglii byli Joseph Mallord William Turner i John Constable, w Niemczech - Caspar David Friedrich.
Joseph Mallord William Turner, Powstanie Kartaginy, 1815, National Gallery, Londyn
John Constable, Wóz z sianem. 1821, Galeria Narodowa w Londynie
Piękno prostej wiejskiej przyrody odkryli francuscy malarze pejzażu – przedstawiciele szkoły barbizonskiej: Theodore Rousseau, Jules Dupre i inni.
Theodore Rousseau, Mały rybak, 1849
Bliski sztuce Barbizończyków jest obraz Camille'a Corot, który za pomocą walerów starał się przekazać drżące środowisko powietrzne. Camille Corot był uważany przez francuskich impresjonistów za ich poprzednika. Pejzaże plenerowe Claude'a Moneta, Camille'a Pissarro i Alfreda Sisleya odzwierciedlają głębokie zainteresowanie artystów zmieniającym się środowiskiem świetlnym. Prace impresjonistów ukazują nie tylko wiejską przyrodę, ale także żywy i dynamiczny świat współczesnego miasta.
Claude Monet, Lilie wodne białe, 1899, Muzeum Puszkina im. A.S. Puszkin, Moskwa
Apfred Sisley, Ścieżka na brzegu wieczorem w pobliżu Sauyur w Normandii, 1894, Rouen. Muzeum Sztuk Pięknych
Artyści postimpresjonistyczni w swoim malarstwie wykorzystywali zmodyfikowane tradycje impresjonistów. Z punktu widzenia sztuki monumentalnej Paul Cézanne reprezentuje majestatyczne piękno i siłę natury. Pejzaże Vincenta van Gogha są pełne ponurych, tragicznych uczuć. Blask słońca na tafli wody, drżące morskie powietrze i świeżość zieleni oddają płótna Georgesa Seurata i Paula Signaca, wykonane w technice dywizjonistycznej.
W XX wieku przedstawiciele różnorodnych ruchów artystycznych zwrócili się w stronę gatunku pejzażowego. Jasne, intensywnie dźwięczne obrazy natury stworzyli fowiści: Henri Matisse, Andre Derain, Albert Marquet, Maurice Vlaminck, Raoul Dufy i inni.
R. Delaunaya. „Wieża Eiffla”, 1926-1928, Muzeum Solomona Guggenheima, Nowy Jork
Kubiści (Pablo Picasso, Georges Braque, Robert Delaunay i in.) tworzyli swoje pejzaże za pomocą rozciętych form geometrycznych. Gatunek pejzażu interesował artystów surrealistów (Salvador Dali) i abstrakcjonistów (Wassily Kandinsky, Helen Frankenthaler), którzy malowali kompozycje dekoracyjne, w których najważniejsze było wrażenie bezpośredniej improwizacji w przekazywaniu obrazów natury.
Salvador Dali, Trwałość pamięci, 1931
W. Kandinsky. „Murnau - krajobraz górski z kościołem”, 1910, Muzeum Dom Lenbacha, Monachium
Przedstawiciele ruchów realistycznych (Rockwell Kent, George Wesley Bellows, Renato Guttuso) również pozostali uznanymi mistrzami malarstwa pejzażowego XX wieku.
Krajobraz zajmuje szczególne miejsce w malarstwie rosyjskim. Po raz pierwszy motywy pejzażowe, przedstawione schematycznie, pojawiły się w starożytnym rosyjskim malarstwie ikonowym. Postacie Chrystusa, Matki Bożej, świętych i aniołów na starożytnych ikonach zostały ukazane na tle konwencjonalnego krajobrazu, gdzie niskie wzgórza wskazywały na skalisty teren, rzadkie drzewa, których gatunku nie udało się określić, symbolizowały las, a budynki pozbawione iluzorycznych brył reprezentowały świątynie i komnaty.
Pierwszymi krajobrazami, które pojawiły się w Rosji w XVIII wieku, były widoki topograficzne wspaniałych pałaców i parków. Za czasów Elżbiety Pietrowna opublikowano atlas rycin z widokami Petersburga i okolic, oparty na rysunkach M. I. Machajewa. Ale dopiero wraz z pojawieniem się dzieł Siemiona Fedorowicza Szczedrina możemy powiedzieć, że w malarstwie rosyjskim ukształtował się pejzaż jako odrębny gatunek.
Siemion Fiodorowicz Szczedrin, Widok na Pałac Gatczyna ze Srebrnego Jeziora. 1798. Gwasz
Współcześni Szczedrinowi, M.M., wnieśli swój wkład w rozwój krajobrazu. Iwanow i F.Ya. Aleksiejew. Malarstwo Aleksiejewa wywarło wpływ na młodych artystów - M.N. Vorobyova, S.F. Galaktionova, A.E. Martynov, którzy poświęcili swoją sztukę Petersburgowi: jego pałacom, nasypom, kanałom, parkom.
M.N. Worobiow, Widok na morze we Włoszech, 1840
M.N. Vorobyov wyszkolił całą galaktykę wspaniałych malarzy pejzaży. Byli wśród nich bracia G.G. i N.G. Czernetsow, K.I. Rabus i in. Szereg wspaniałych litograficznych akwarelowych pejzaży z widokami na okolice Petersburga wykonał A.P. Bryullov, brat słynnego K.P. Bryullov, późniejszy architekt.
Aleksander Pawłowicz Bryulłow, Widok na Zamek Świętego Anioła w Rzymie. 1823-1826
Ale dzieła tych mistrzów blakną obok obrazów Sylwestra Feodosiewicza Szczedrina, który na swoich płótnach uchwycił jasne piękno włoskiej przyrody.
W połowie XIX wieku w rosyjskim malarstwie pejzażowym ukształtowały się pewne zasady estetycznego postrzegania przyrody i sposoby jej eksponowania.
Ze szkoły Worobiowa wywodzą się tradycje romantyczne przejęte przez jego uczniów. Wśród nich jest M.I., który zmarł przedwcześnie. Lebiediew, L.F. Lagorio i I.K. Aiwazowskiego, którego głównym tematem sztuki było morze.
I.K. Aiwazowskiego bryg Merkury po pokonaniu dwóch tureckich statków spotyka się z rosyjską eskadrą
Szczególne miejsce w malarstwie rosyjskim zajmuje twórczość A.K. Savrasov, który stał się założycielem narodowego krajobrazu lirycznego. Savrasov wywarł wpływ na swojego ucznia i przyjaciela, malarza pejzażu L.L. Kamieniewa.
Równolegle z kierunkiem lirycznym w rosyjskim malarstwie pejzażowym rozwinął się krajobraz epicki, którego wybitnym przedstawicielem był M.K. Klodta, który dążył do stworzenia pejzażu przedstawiającego widzowi całościowy obraz Rosji.
M.K. Klodta. „Na gruntach ornych”, 1872, Galeria Trietiakowska, Moskwa
W drugiej połowie XIX wieku tacy znani artyści jak I.I. wnieśli poważny wkład w rozwój rosyjskiego krajobrazu. Shishkin, FA Wasiliew, A. Kuindzhi, A.P. Bogolyubov, I.I. Lewitan.
Szyszkin, Na dzikiej północy, 1891
Szyszkin, Puszcza leśna, 1872
Kuindzhi, Elbrus, 1908
Lewitan, Na basenie, 1892
Tradycje lirycznego pejzażu Lewitana przejęli malarze I.S. działający na przełomie XIX i XX wieku. Ostrouchow, S.I. Światosławski, N.N. Dubowski.
Malarstwo pejzażowe XX wieku kojarzone jest z nazwiskami I.E. Grabar, AA Ryłowa, K.F. Yuona. P.V. stworzył swoje pejzaże w duchu sztuki symbolistycznej. Kuzniecow, N.P. Krymov, MS Saryan, V.E. Borysow-Musatow.
AA Ryłów, Zachód słońca, 1917
W latach dwudziestych XX wieku zaczął się rozwijać krajobraz przemysłowy (zainteresowanie tego typu gatunkami krajobrazu jest szczególnie widoczne w twórczości M.S. Saryana i K.F. Bogaevsky'ego).
K.F. Bogajewski, Dnieprostroj, 1930
Wyraziste i efektowne obrazy rodzimej przyrody stworzyli także pejzażyści G.G. Nissky, S.V. Gerasimov, N.M. Romadin i in.
N.M. Romadin, Pejzaż zimowy, 1961
Na tym prawdopodobnie zakończę tę krótką wycieczkę, którą można ciągnąć w nieskończoność. Jego celem było krótkie przybliżenie głównych kierunków gatunku pejzażowego, mam nadzieję, że w pewnym stopniu mi się to udało.
Materiały użyte do przygotowania wiadomości
http://artclassic.edu.ru/catalog.asp?ob_no=13142&cat_ob_no=13079 ,
http://www.fondart.ru/history_painting/istorija_pejjzazha/ ,
http://www.artgorizont.com/articles.php?id_article=1188 ,
http://www.newclassics.ru/reviews/346/ i kilka innych.
Głównym tematem jest środowisko żywe lub stworzone przez człowieka, usamodzielniło się później niż inne - fabuła, martwa natura czy malarstwo zwierzęce.
Typy krajobrazu zaczęły się rozwijać z nową energią, gdy artyści mieli możliwość pracy na świeżym powietrzu.
Definicja
Francuskie słowo „paysage” („płaci” - „kraj”, „lokalność”) ma znaczenie zbliżone do niemieckiego „Landschaft” i angielskiego „krajobrazu”. Wszystkie oznaczają środowisko przestrzenne otaczające człowieka na świeżym powietrzu. Środowisko to mogą składać się z elementów pochodzenia naturalnego (teren, roślinność, zbiorniki wodne, atmosfera powietrza), stworzonych lub przekształconych przez człowieka (drogi, budynki, pola uprawne itp.).
Słowo „krajobraz” ma kilka znaczeń: jest po prostu tym, na czym zatrzymuje się ludzkie oko w plenerze, opisem przyrody w dziele literackim, przedstawieniem otoczenia za pomocą środków sztuk wizualnych. Niemal każde dzieło sztuki zawiera różnego rodzaju pejzaże. Fotografia, kino, wideo, grafika komputerowa i oczywiście malarstwo zajmują się ukazywaniem otaczającego nas świata.
Różnorodność tematów
Każdy prawdziwy artysta ma swój własny pogląd na środowisko. Aby pomóc zrozumieć tę różnorodność, zwyczajowo rozróżnia się określone typy krajobrazu. Dla przedszkolaków, uczniów szkół średnich, studentów i miłośników sztuki w każdym wieku dostępne są gradacje obrazów pejzażowych w zależności od tematu obrazu natury i jej charakteru.
W malarstwie wyróżnia się pejzaże naturalne, wiejskie i miejskie. Każdy z nich ma odmiany i cechy. Z natury wyróżnia się krajobrazy historyczne i heroiczne, epickie, romantyczne i nastrojowe.
Naturalny krajobraz
Już w średniowieczu przedstawianie przyrody było schematyczne i planarne. Miała charakter pomocniczy, jako dodatek do kompozycji religijnych, mitologicznych czy historycznych. Ale począwszy od renesansu zaczęły pojawiać się obrazy, w których fabuły lub postacie ludzkie nie były używane do wyrażania uczuć i emocji; głównymi bohaterami były ziemia, lasy, niebo, morze w różnych stanach.
Niemiecki rytownik, rysownik i malarz Albrecht Altdorfer (1480-1538) uważany jest za jednego z twórców gatunku „czystego krajobrazu”. Po raz pierwszy na obrazach mitologicznych postacie bohaterów często były ledwo rozpoznawalne na tle wspaniałego obrazu środowiska naturalnego.
Marina - obraz o morzu
W krajobrazie naturalnym szczególne miejsce zajmują obrazy środowiska wodnego, które od zawsze przyciągały uwagę artystów. Rodzaje krajobrazów związanych z nawigacją i malarstwem morskim (marina - obraz o tematyce morskiej) narodziły się w krajach, w których powszechny był przemysł stoczniowy - w Holandii, Anglii itp.
Początkowo morze było integralną częścią wizerunku statków i bitew wodnych, ale potem wyrazistość i potężne piękno tego żywiołu, jego nieuchwytna zmienność zaczęły urzekać w sobie malarzy. Prawdziwym szczytem o światowym znaczeniu jest dzieło rosyjskiego malarza morskiego I.K. Aiwazowskiego (1817–1900).
Do krajobrazu naturalnego zalicza się także obraz przestrzeni niebieskich, planet i gwiazd. Rodzaje krajobrazów zwane kosmicznymi lub astralnymi zawsze były gatunkiem sztuki fantastycznej lub futurystycznej, a wraz z początkiem regularnych lotów kosmicznych takie obrazy nabrały bardziej realistycznego charakteru.
Krajobraz wiejski
Od czasu idyllicznych obrazów przedstawiających życie pasterzy i pasterzy z epoki rokoko, krajobraz wiejski zawsze zajmował ważne miejsce w sztuce malarskiej.
Bliskość natury, harmonia życia na ziemi i chłopska praca były motywami przewodnimi wielu wybitnych mistrzów różnych epok, takich jak Pieter Bruegel (1525-1569), Nicolas Poussin (1594-1665), (1796-1875), Francois Millet (1814-1875).
Temat rustykalny jest nieodłącznym elementem malarstwa rosyjskiego od czasów A. G. Venetsianova (1780–1847). Przykłady najwyższych szczytów w krajobrazie wiejskim mają wybitni rosyjscy artyści: I. I. Lewitan (1860–1900), A. K. Savrasov (1830–1897), V. D. Polenov (1844–1927), A. A. Plastova (1893–1972). Wyjątkowa poezja życia wiejskiego w otoczeniu rosyjskiej przyrody inspiruje także współczesnych artystów.
Pejzaż miejski
W XVII wieku w Europie bardzo popularny stał się gatunek malarstwa zwany „veduta” („veduta” (po włosku) - „widok”). Były to obrazy, widoki krajobrazu, których istotą było dokładne topograficznie i szczegółowe przedstawienie budynków miejskich, ulic i całych dzielnic. Do ich napisania wykorzystano kamerę obscura – urządzenie umożliwiające uzyskanie dokładnego obrazu optycznego na płaszczyźnie. Najlepszymi przykładami tego gatunku są fotograficznie dokładne architektoniczne pejzaże miejskie. Widoki Wenecji i Londynu z XVIII wieku prezentowane są na obrazach A. Canaletta (1697-1768), a kunszt J. Vermeera (1632-1675) na obrazie „Widok Delft” jest niesamowity.
Krajobraz architektoniczny ukazuje wartość budynków jako dzieł architektury, ich związek ze sobą i z całym siedliskiem. Szczególnym rodzajem takiego pejzażu są kompozycje fantasy zrodzone z wyobraźni artysty. Kiedyś bardzo popularne były „ruiny” - widoki krajobrazu ze starożytnych ruin, wywołujące myśli o kruchości istnienia.
Możemy wyróżnić także futurologiczny, fantastyczny krajobraz – widoki miast przyszłości, których obraz zmienia się w czasie w zależności od postępu, osiągnięć nauki i technologii.
Innym typem krajobrazu miejskiego jest krajobraz przemysłowy, który przedstawia przyrodę możliwie najbardziej przekształconą przez człowieka. Głównym tematem takich obrazów są wrażenia estetyczne budynków, tam, mostów, wież, dróg, sieci transportowych, zakładów i fabryk itp. Do pierwszych znaczących dzieł krajobrazu przemysłowego można wymienić obraz Claude'a Moneta (1840-1840- 1926) „Gare Saint-Lazare” „
Do osobnej kategorii zaliczają się także krajobrazy parkowe. Podobny tematycznie do wiejskiego lub czysto naturalnego, geograficznie należy do miasta.
Style malarstwa pejzażowego
Dzieło sztuki jest zawsze twórczym rozumieniem świata, a pejzaż prawdziwego artysty to nie tylko obraz zbliżony do rzeczywistości, ale obraz otaczającego środowiska naturalnego lub miejskiego, wyrażona na nim impresja. często wyznacza styl charakterystyczny zarówno dla jednostki, jak i całych społeczności połączonych jednym miejscem i czasem.
Szczególnie zauważalna jest historyczna przynależność mistrza do określonego stylu w malarstwie pejzażowym. „Pejzaż z tęczą” P. P. Rubensa (1577–1640) - arcydzieło i obraz Konstantina Somowa o tym samym tytule (1869–1939) mają podobną fabułę. Przepełnia ich ten sam podziw dla otaczającego ich świata, ale w jak odmienny sposób wyrażają te uczucia!
Szczególny wpływ na ten gatunek miała twórczość impresjonistów. Wszystkie rodzaje krajobrazów - naturalne, miejskie, wiejskie - przeszły dramatyczne zmiany wraz z pojawieniem się możliwości pracy na świeżym powietrzu. Próbując wyrazić chwilowe zmiany i najdrobniejsze niuanse światła, stosując nową, swobodną technikę malarską, impresjoniści otworzyli nowe horyzonty w gatunku pejzażu. Po arcydziełach (1840-1926), Camille'u Pissarro (1830-1903), Alfredzie Sisleyu (1839-1999) i wielu innych impresjonistach, niemożliwe stało się patrzenie na świat tymi samymi oczami, nie dostrzegając jego piękna, nie dostrzegając bogactwo jego odcieni.
Wieczne źródło inspiracji
Dla prawdziwego artysty głównym źródłem nowych uczuć i wrażeń zawsze była natura. Nasi dalecy przodkowie próbowali narysować wschód słońca na ścianie jaskini kawałkiem wysuszonej gliny; widoki krajobrazowe dla dzisiejszych przedszkolaków to zdjęcia Marsa przesłane z jego powierzchni przez samobieżny statek kosmiczny. Powszechne pozostaje uczucie zdziwienia nieskończonością świata, radością życia.