Jaké jsou škodlivé faktory jaderného výbuchu? Jaderné zbraně a jejich škodlivé faktory
Umění - okruh lidské činnosti pokrývající kreativní práce o tvorbě esteticky významných předmětů - uměleckých děl, způsobech jejich uložení a zpřístupnění veřejnosti zařazením do procesu veřejné komunikace.
V současné době existuje mnoho definic pojmu „umění“. Zde jsou některé z nich:
"Umění- zvláštní forma společenského vědomí, které je uměleckým (figurativním) odrazem života. Zobrazováním světa umělec ztělesňuje své myšlenky, pocity, aspirace a ideály v umělecké dílo. Reprodukuje jevy života a zároveň je hodnotí, vysvětluje jejich podstatu a smysl, vyjadřuje své chápání světa." /Sovětský encyklopedický slovník/
"Umění(lat. ars) byl název pro jakoukoli schopnost produkovat zručnou práci, která vyžaduje talent, znalosti a zkušenosti.“
"Umění- totalita všech možné typy umělecká tvořivost, včetně literatury"
Umění je uznáváno a definováno jako soubor druhů umění, pokusy o klasifikaci, které lze považovat pouze za relativně úspěšné.
Z hlediska použitých materiálových podmínek je zvykem dělit umění do tří skupin:
1) prostorový (plast)
Sochařství, malba, grafika a umělecká fotografie tvoří zvláštní skupinu výtvarného umění.
2) dočasný
hudba (skladatelské umění)
literatura
3) časoprostorový
herecké umění (a také tzv. syntetické umění na něm založené: choreografie, divadlo, kino, televizní a videoart, varieté, cirkus)
počítačové umění
V každé z těchto tří skupin umění lze uplatnit uměleckou a tvůrčí činnost
znaky obrazného typu, tzn. naznačující podobnost obrazů se smyslově vnímatelnou realitou (malba, sochařství, grafika - tzv. výtvarné umění; literatura; herectví)
znaky nefigurativního typu, tzn. neumožňují rozpoznání v obrazech jakýchkoli skutečných předmětů, jevů, akcí (architektura, hudba, tanec)
znaky smíšeného figurativního a nefigurativního charakteru, charakteristické pro syntetické formy kreativity (syntéza architektury nebo dekorativního a užitého umění s výtvarným uměním atd.)
Je třeba vzít v úvahu, že seznam druhů umění není konstantní v čase a prostoru - in různé kultury a společnostmi máme co do činění s různými konfiguracemi, navíc v některých případech je obtížné nakreslit pevnou linii oddělující umělecké aktivity od těch neuměleckých (různé druhy užitého umění, ale i design).
Umění celostně odráží svět. Hlavním tématem umění je člověk, společenský život. Rozsah jevů reality zobrazovaných umělcem se obvykle nazývá téma díla,
se nazývá vnitřní svět zobrazené osoby nápad emocionálně vyjádřený postoj umělce k zobrazenému - posouzení . Téma, myšlenka a hodnocení, které jsou neoddělitelné, tvoří obsah uměleckého díla.
Moderními uměleckými díly nazýváme ta, kde bylo dosaženo úplné jednoty obsahu a formy, designu a realizace a řemeslné zručnosti. Tato jednota je základem krásy umění. Umělecká díla ztělesňující ideál umělce vznikají podle zákonů krásy a stávají se ztělesněním a zosobněním krásy.
Zavedení
Pojmy „umění“ a „kultura“ jsou pro moderní muž. Ale přesto je pojem „kultura“ mnohem širší než pojem „umění“. Zahrnuje celý systém umění a každý jeho druh zvlášť, celý proces vzniku uměleckých děl v průběhu mnoha staletí, proces vnímání umění, specializované kulturní instituce (divadla, muzea, koncertní sály), které uchovávají a přenášejí umělecké hodnoty. Tohle všechno komplexní systém zkoumá se existence umění v umělecké kultuře speciální disciplíny- dějiny umění a estetika, poskytování materiálu pro kulturní analýzu.
První estetické myšlenky o umění, o tom, co je krása, nacházíme v nejstarších východních pojednáních „Veda“, „Avesta“, mezi starověkými filozofy, v náboženských středověkých dílech. Pro německého filozofa I. Kanta je estetika „naukou o smyslnosti obecně“. Jiné chápání estetiky jako filozofie umění představuje v nejnázornější podobě v německé klasické filozofii G. G. Hegel.
Ve 20. století se problémy umění zabývaly takovými moderní vědy jako sociologie a psychologie. Psychologie umění studuje psychologii umělecké tvořivosti a psychologii určitého vnímání umění. Sociologie umění studuje vzorce interakce mezi uměním a společností, jejich odraz v umělecké kreativitě a performance.
Účel této práce: prostudovat místo a roli umění v kulturním systému, zvážit hlavní problémy spojené s pojmem umění, jeho interakcí s jinými sférami kultury.
Pojem umění
Definice umění, jeho podstata.
Na momentálně Existuje mnoho definic umění. Základní definice umění:
1. Umění je specifickým typem duchovní reflexe a zvládnutí reality. Umělečtí badatelé po mnoho let dále dodávali: „zaměřeno na formování a rozvoj schopnosti člověka kreativně přetvářet svět kolem sebe a sebe podle zákonů krásy. Samotný fakt, že umění má svůj účel, je kontroverzní. Pojem krásy je relativní. V tomto ohledu se úroveň krásy může v různých kulturních tradicích značně lišit.
2. Umění je jedním z prvků kultury, ve kterém se hromadí umělecké a estetické hodnoty.
3. Umění je formou smyslového poznání světa. Existují tři metody lidského poznání: racionální (založené na myšlení); smyslný (založený na emocích); iracionální (na základě intuice). V hlavních projevech duchov kulturní aktivity lidské, označující symbolický vzhled kultury (vědy, umění, náboženství), jsou přítomny všechny tři. Každá z těchto sfér má své převládající oblasti: věda – racionální, umění – smyslná, náboženství – intuitivní.
4. Umění je oblast projevu lidských tvůrčích schopností.
5. Umění je proces osvojování si uměleckých hodnot člověka, který mu přináší určité potěšení a požitek.
Umění je velmi mnohostranné, stejně jako lidská duše. Umění je nejbohatší svět krásné obrazy, touha porozumět smyslu života a lidské existence, koncentrace lidských tvůrčích sil.
Umění je dokonalost antických soch, vznešenost středověké gotiky, nádherné obrazy renesančních madon, to jsou hádanky, které nám klade surrealismus. Umění jsou největší výtvory Danta a Michelangela, Shakespeara a Puškina, obrazy Leonarda a Rubense, Picassa a Matisse, brilantní hudba Bacha a Mozarta, Beethovena a Chopina, Čajkovského a Šostakoviče, sochy Phidias a Polykleitos, Rodin a Maillol, představení Stanislavského a Meyerholda, Brechta a Brooka, filmy Felliniho, Bergmana, Tarkovského.
Umění je vše, co nás obklopuje každodenní život, vše, co k nám domů přichází z televizních a video obrazovek, vše, co zní na jevišti, v audio nahrávkách.
Umělecké obrazy odrážejí nejen realitu, ale také světonázor, světonázor kulturních epoch, originalitu kultury lidí v různých dobách. Všechny tyto interpretace odrážejí nashromážděné znalosti o umění a otevírají rozmanité aspekty kultury.
Na základě kreativní reprodukce okolního světa v uměleckých obrazech. Umění může navíc v širokém slova smyslu znamenat nejvyšší úroveň dovedností v jakékoli oblasti činnosti, i když přímo nesouvisí s kreativitou (například ve vaření, stavebnictví, bojových uměních, sportu atd.).
Objekt(nebo podrobit) umění je svět obecně a člověk zvláště a forma existence je umělecké dílo jako výsledek tvůrčí činnosti. Umělecké dílo- nejvyšší forma kreativního výsledku.
Účely umění:
- rozdělování duchovních výhod;
- autorské sebevyjádření.
Funkce umění.
- Poznávací. Umění funguje jako zdroj informací o světě nebo člověku.
- Vzdělávací. Umění ovlivňuje mravní a ideologický vývoj jedince.
- Estetický. Odráží duchovní potřebu člověka po harmonii a kráse. Tvoří koncept krásy.
- Hédonistický. Blízko estetické funkci, netvoří však pojem estetiky, ale poskytuje možnost estetického potěšení.
- Prognostický. Funkce pokusu předpovídat budoucnost.
- Náhradní. Slouží k obnovení psychické rovnováhy; často využíván psychology a psychoterapeuty (fanoušci pořadu „Dom-2“ kompenzují nedostatek vlastního osobního života a emocí jeho sledováním; i když bych tento pořad neřadil k umění).
- Sociální. Může jednoduše zajistit komunikaci mezi lidmi (komunikativní), nebo může po něčem vyzývat (propaganda).
- Zábavný(například populární kultura).
Druhy umění.
Druhy umění jsou různé - vše záleží na tom, podle jakého kritéria je zařadit. Obecně uznávaná klasifikace zkoumá tři druhy umění.
- výtvarné umění:
- statický (sochařský, malířský, fotografický, dekorativní atd.);
- dynamické (například němé filmy, pantomima).
- Expresivní umění(nebo nefigurativní):
- statický (architektura a literatura);
- dynamický (hudba, taneční umění, choreografie).
- Velkolepé umění(divadlo, kino, opera, cirkus).
Podle míry uplatnění v běžném životě umění může být:
- aplikované (dekorativní a aplikované);
- půvabná (hudba).
Podle doby stvoření:
- tradiční (sochařství, literatura);
- nové (kino, televize, fotografie).
Podle časoprostorového vztahu:
- prostorová (architektura);
- dočasné (hudba);
- časoprostorové (kino, divadlo).
Podle počtu použitých komponentů:
- jednoduché (hudba, sochařství);
- komplexní (také syntetické: kino, divadlo).
Existuje mnoho klasifikací a definice a role umění je stále důvodem k neustálým debatám a diskusím. Hlavní věc je jiná. Umění může zničit lidskou psychiku nebo léčit, korumpovat nebo vychovávat, utlačovat nebo dát impuls k rozvoji. Úkolem lidské společnosti je rozvíjet a podporovat právě ty „světelné“ druhy umění.
Umění- jedná se o zvláštní typ formativu činnostičlověk, který vytváří figurativní a symbolické struktury, které mají estetický, vzdělávací A sdělení funkcí. V tomto smyslu je umění chápáno jako tvůrčí činnost, zaměřené na tvorbu uměleckých děl, šířeji, estetických a výrazových forem. Pojem „umění“ je také obvyklé označovat nejen umělecká díla, produkty umělecké činnosti, ale také takové pojmy jako „dovednost“, „dovednost“, „umění“ a podobně, projevující se v jakékoli jiné oblasti činnosti ( v řemesle, vědě, technice atd.) jiné), často přímo nesouvisející s uměním, ale jistě to naznačují tvořivost v nich explicitně nebo implicitně přítomné. V procesu lidského vývoje je konotován pojem „umění“. historické změny(transformace) forem a typů kultura(viz ), jejich vzájemné působení, a tedy i povaha filozofie, umělecké kritiky, umělecké reflexe a dodnes představuje mnohorozměrný sémantický útvar, zásadně otevřený začlenění nových sémantických prvků generovaných neustále probíhající a transformující se uměleckou a estetickou zkušeností. lidstva, včetně - rozvoje mezikulturních spojení, komunikací, výměn, technologií, které zajišťují a podporují kreativitu a šíření jejích produktů ve společnosti.
Historicky umění vzniká, když člověk překročí uspokojení svých bezprostředních fyzických potřeb, prakticko-utilitárních zájmů a cílů a získá příležitost tvořit. Umění je tedy zvláštní formou lidského zkoumání světa, ve kterém se svět v umění objevuje prostřednictvím forem činnosti, komunikace a seberealizace lidí. Poskytuje okamžité odrazy a detailní projekce člověka bytost(viz), jeho prostorová a časová jednota se světem. Umění, chápané jako jakýsi konvenční celek, lze interpretovat jako obraz světa či jakousi ontologii, soustředěnou na dynamiku objektivně-smyslové existence lidí. Umění jako zvláštní forma lidské činnosti spojuje ve svých obrazech cíl, komunikaci a jednotlivé aspekty činnosti, proto si zachovává stimulující, transformační a kognitivní principy, stejně jako kolektivní a osobní představy. V různých dobách a v různých oblastech umění se důraz ve vztahu mezi těmito principy výrazně liší, nicméně jsou vždy spolupřítomné a jejich vztah zůstává stálým předmětem diskuse o účelu umění, o jeho roli v umění. rozvoj společnosti.
Úvaha o fenoménu umění předpokládá složité dělení druhů lidské činnosti, kdy se každý z nich zcela zřetelně izoloval a následně se prosadil v technické prostředky; V souladu s tím se specifičnost umění odhaluje na pozadí jiných typů činnosti: materiální a duchovní produkce, náboženství, morálky, vědy. Problém je však v tom, že umění si zachovává syntetickou povahu lidské činnosti různé fáze dějin a v různých typech kultury jsou patrné rozdíly v dominantních obrazech umění, způsobech jejich tvorby, zákonitostech jejich fungování a předávání. Řešení otázky specifik umění „in celkový pohled"způsobuje mnoho potíží. Zdá se produktivnější uvažovat o specifikách umění na specifickém sociálním „pozadí“, v určitých systémech společnosti, protože každá historická éra měla své vlastní chápání fenoménu umění, určeného místem a rolí umělce v systému. sociální dělby práce a jeho postavení ve společnosti. Pak se ukazuje, že otázka zachování specifičnosti umění v měnících se systémech dělení a spolupráce lidské činnosti bytostně souvisí s otázkou, jak si umění udržuje svou specifickou pozici díky přesouvajícímu se důrazu v užívání. obrazné prostředky lidské zkoumání světa.
V archaických společnostech, kde vědomí a činnost ještě nebyly tak oddělené a specializované jako později, bylo proto-umění přítomno ve všech hlavních formách a prostředcích lidského zkoumání světa. Legendy, tance, kresby, sochy, šperky, náčiní a nástroje zaznamenávaly lidské formy osvojování existence, formy jejího prožívání a chápání. Přitom synkretická a převážně rituálně-magická povaha děl primitivního umění, navzdory projevu estetických principů v nich, neumožňuje jejich plné zařazení mezi umění.
V tradičních společnostech třídního typu se specifičnost umění odhaluje na pozadí rigidního rozdělení lidí podle sociálních pozic a typů činnosti. Důležité v tomto smyslu je vznikající dělení materiálně-produktivních a duchovních (včetně duchovně-praktických) činností, rostoucí společenský význam práce mistra, který tvoří a ovládá nástroje, a v souladu s tím i „distribuce“ umění samotného. mezi každodenním chováním laiků a zasvěcených. V tomto ohledu se umění ukazuje jako druh „značky kvality“, která naznačuje dovednost a obětavost autora a odpovídající vlastnosti jeho produktu. Pozice umělce tak ještě není ostře proti pozici kněze, vědce, řemeslníka, ale je již izolována od proudu každodenního chování lidí a rutinních činností.
Ve starověku zaujímalo umění střední postavení mezi materiální a duchovní produkcí. Starověký výraz „tέχνη“ znamenal současně vědu, řemeslo a umění, spojené podle kritéria jejich příslušnosti k „účelné“, „ideologicky smysluplné“, „modelotvorné“ činnosti. Tato terminologická nerozlišitelnost samotné umělecké a řemeslné činnosti odrážela vnitřní propojení těchto oblastí lidské činnosti, které v r. v největší míře charakterizuje klasické období ve vývoji starověkého světa. V homérské době byla dělba práce tak slabá, že umění, včetně technických řemesel, ještě nebylo odděleno a nestavělo se proti duchovní činnosti. Proto byly u Homéra pojmy „σοφία“ (dovednost, moudrost) a „tέχνη“ (umění, řemeslo) v podstatě totožné: moudrost (σοφία) je chápána jako řemeslo, kreativita; umění (tέχνη) je spojeno s myšlenkou moudrosti a vědění. Jak však dělba práce postupuje, dochází k postupné divergenci duchovní a materiální oblasti činnosti. Starověká společnost měla k fyzické práci poněkud arogantní postoj, považovala ji za naprostou nutnost, a proto se snažila přesunout veškerou svou zátěž na otroky a polosvobodné řemeslníky. Za těchto podmínek je umění izolováno od přímé materiální praxe a stává se zaměstnáním svobodných. Umění je považováno za ušlechtilé, pokud je prostředkem vzdělání, zábavy nebo intelektuálního trávení volného času pro svobodné. Ale jakmile se umění stane předmětem profesionálních činností, je okamžitě odsouzeno jako hrubé řemeslo a barbarské povolání. Proto se ve starověkém Řecku rozlišovalo mezi udatností (arete) a technickým mistrovstvím v jakémkoli umění (arete technes). Aristoteles tedy odůvodnil potřebu praktického výcviku v umění při výchově občana a postavil se proti profesionálnímu výcviku v umění svobodní lidé. Zejména by měla být ze vzdělávacího systému vyloučena profesionální hudební výchova, protože její studium „kvůli potěšení svým posluchačům“ je „hrubým cílem“, který z lidí dělá řemeslníky (Politika, 1341a). Protiklad mezi uměním a řemeslem se obzvláště ostře projevil v helénistické éře, kdy protiklad mezi fyzickou a duchovní prací přerostl v antagonismus otrocké a volné práce. Seneca o tom píše velmi ostře ve svých „Dopisech Luciliovi“ a Ciceronovi. "Všichni řemeslníci se zabývají opovrženíhodnou prací, v dílně nemůže být nic ušlechtilého a řemesla, která slouží k potěšení, si zaslouží to nejmenší uznání" ("O povinnostech"). V dávných dobách byl pojmem označujícím podstatu umění pojem „mimesis“ (μίμησις - podobnost, reprodukce, napodobování). Již Démokritos považoval napodobování za základ veškeré lidské činnosti, včetně umění. Teorii mimesis rozvinul a systematicky prezentoval Platón, který věřil, že napodobování tvoří základ veškeré umělecké činnosti. Platón vytvořil idealistickou verzi teorie mimesis. Jeho teorie sloužila nejen jako vysvětlení podstaty umění, ale také jako důkaz jeho slabosti, nedokonalosti, kognitivní a estetické méněcennosti. Umění přece není nápodobou věčných a neměnných eidos, ale pomíjivých, proměnlivých a nepravdivých smyslných věcí. Na tomto základě Platón odmítl některé druhy a žánry umění, považoval je za škodlivé, klamající lidi, zdání, iluze. Aristoteles aplikuje teorii mimesis nejen na výtvarné umění, ale také na poezii, drama a hudbu. Jeho teorie napodobování se výrazně liší od Platónovy. Jestliže Platón učil o napodobování „věčných idejí“, pak Aristoteles mluvil o umění jako o napodobování existence věcí. Podle Aristotela jsou ideje ve věcech samých, a proto lze jen věci napodobovat. Aplikováním teorie napodobování na různé formy umění vyvinul Aristoteles jeden z prvních systémů klasifikace umění. Důležitý bod Aristotelova teorie mimesis byla tvrzením, že napodobování v umění přináší potěšení a v takových formách, jako je hudba a drama, je spojeno s katarzí (očištěním). Teorii mimésis – obecnou starověkou myšlenku podstaty umění – následně zdědil celý Evropan estetika. V Plotinovi, největším novoplatonském filozofovi (3. století), se světové božstvo proměňuje v řemeslníka demiurga; příroda jako řemeslník vytváří prototypy a formy (eidos) všech věcí. Umělec se stává spoluviníkem a exponentem tvůrčí energie demiurga. Jestliže klasická antická estetika nahlížela na umění jako na napodobování (mimesis) přírody, nyní se naopak činnost přírody stává mystickou a symbolickou reflexí řemeslné či umělecké činnosti.
Ve středověku, v procesu formování nových forem práce spojených s feudálním způsobem výroby, byla práce morálně posvěcena a do systému středověkého vědění bylo zavedeno řemeslo pod názvem „arte“. Středověký pojem „umění“ (ars) je skutečně zahrnut do systému scholastických znalostí. Vzdělávací systém je založen na studiu sedmi „svobodných umění“, mezi které patří gramatika, rétorika, logika, které tvoří „privium“, a geometrie, aritmetika, astronomie a hudba, které tvoří „kvadrivium“. Slabý rozdíl mezi pojmem umění a oblastí vědeckého poznání dokládá pojednání římského filozofa Cassiodora ze 6. století „O vědách a svobodných uměních“. Cassiodorus se v tomto díle snaží rozlišovat mezi vědou (disciplina) a uměním (ars). Podle jeho názoru je věda apodiktické poznání, zatímco umění je poznání pravděpodobného. Středověk rozšířil do umění hierarchický princip rozdělování pozemského a nebeského. Nejnižší místo Výtvarné umění zaujímá hierarchii umění. Toto chápání odpovídá aktuálnímu postavení výtvarného umění v systému hmotné a duchovní kultury středověké společnosti. Malířství, sochařství, architektura, stejně jako řemeslné činnosti, v té době získaly cechovní organizaci s vlastními profesními tajemstvími, omezeními a tradicemi. Umělci, stejně jako řemeslníci, tvoří cechy a cechy. Dualismus smyslného a nadsmyslového, kontemplace a spekulativnost, charakteristický pro estetické vnímání středověku, je dokladem propasti, která je charakteristická pro feudální způsob výroby s jeho třídní a cechovní organizací.
Nové chápání umění, které přináší renesance, je spojeno s revolučním rozpadem starých, feudálně-společenských vztahů, s osvobozením jednotlivého výrobce od třídních a cechovních omezení, která omezují jeho činnost. Ocenění účelu a důstojnosti lidská osobnost, potvrzující myšlenku neomezeného rozvoje svých schopností, estetika renesance viděla konkrétní obraz takového člověka v umělci. Skutečnost, že hledání univerzální osoby vedlo právě k umělci, a nikoli k filozofovi, vědci popř. politik, nebylo náhodné. To bylo určeno pozicí, kterou umělec zastával kulturní životéra. Umělec působil jako prostředník mezi fyzickou a duševní prací. Proto v jeho činnosti viděli reálnou cestu k překonání dualismu teorie a praxe, znalostí a dovedností, na kterém byla založena celá duchovní kultura středověku. Není náhodou, že se umělec, jeho osobnost, život a dílo ocitly v centru tehdejšího společenského myšlení. Je považován za bytost božského řádu a k jeho jménu se stále více připojuje epiteton „divino“ – božský. Četné biografie umělců, které se v této době objevily a postupně se staly zvláštním literárním žánrem, naznačují, že takové povýšení osobnosti umělce nebylo tak daleko od pravdy. Vynikající umělci renesance jsou všestranně vzdělaní lidé s rozmanitými znalostmi v oblasti vědy a umění. Umělec se stává nositelem estetických a etických hodnot. Etický koncept srdnatosti „virtu“ – nabývá estetického významu a označuje člověka mistrně a plynule ve své práci – „il virtuoso“. Tradičním argumentem pro prokázání důležitosti konkrétní činnosti nebo řemesla je myšlenka její „obtížnosti“. Středověká představa dokonalého člověka jako odborníka, který umí o všem přemýšlet a o všem uvažovat, je tak nahrazena ideálem člověka, který umí všechno.
Nadvláda humanistické ideologie, která umělce postavila do středu uměleckého a společenského života, však netrvala dlouho. V podmínkách stále progresivnější dělby práce založené na kapitalistické manufakturní výrobě vystupuje umění jako oblast duchovní tvořivosti jako samostatný typ [umělecké] činnosti. Jestliže v renesanci byl umělec v důsledku slabé diferenciace druhů umělecké činnosti současně sochařem, architektem, dekoratérem a inženýrem, nyní se stává buď výhradně sochařem, nebo výhradně architektem, nebo výhradně dekoratérem. , nebo výhradně inženýr. Kromě toho existuje ostrý rozdíl mezi duchovními a hmotnými formami práce. V estetice se tento proces odráží ve vzniku nové estetické kategorie, označující sféru umělecké tvořivosti. Tato kategorie je „výtvarné umění“. To, co je označováno pojmem „umění“, se vztahuje výhradně k oblasti duchovní činnosti. Tento rozklad smyslové a duchovní činnosti začal již v renesanci, ale definitivně byl dokončen až v 18. století. V roce 1746 napsal J. Betty svá slavná „Tři pojednání“, ve kterých používá výraz „elegantní „umění“. Ve stejném roce vydal C. Batteux své pojednání „Výtvarné umění zredukované na jeden princip“, kde upevňuje praxi používání termínu „krásné umění“. Toto známé oddělení umění od ostatních oblastí duchovního a praktického vývoje světa posiluje německá klasická estetika, která viděla pravou podstatu umění v poznání „říše ducha“.
V průmyslové společnosti se otázka specifik umění stává zásadní, protože výroba ovlivňuje všechny sféry společnosti a věda si nárokuje vedoucí postavení v kultuře. Umění na jedné straně tyto vlivy zažívá a „podléhá“ jim: význam výtvarné techniky roste, její instrumentální základna aktivně postupuje (od tisku k fotografii a kinu), v obrazech umění zvláštní význam vzhledem k jejich kognitivní hodnotě. Na druhé straně se stále akutněji vynořuje otázka specifičnosti umění jako specificky lidského způsobu osvojování existence, tedy metody, kterou nelze redukovat na formy neosobní produkce a deindividualizovaného poznání. V důsledku toho vznikají směry (a koncepty) umění, které staví do popředí přímo osobní (individuální, individuální) způsoby osvojování existence, resp. o figurativním zvládnutí reality.
V postindustriálních typech společnosti je problém specifičnosti umění určován v kontextu stále složitějších interakcí mezi různými sociálními a kulturními systémy. Uchování umění jako specifické formy utváření, uchovávání a předávání lidské zkušenosti závisí na jeho „schopnosti“ vytvářet obrazy lidského vzájemného porozumění z heterogenního kulturního a historického materiálu. V této situaci jsou zpochybňovány dříve definované hierarchie a systémy hodnocení, stejně jako důležitost individuální kreativity a autorství. Umění má silnou tendenci se rozpouštět v médiích. Elektronické prostředky reprodukce umění jsou stále důležitější. Komunikační princip strukturování uměleckého (kulturního) světa, který koncem 20. století nabyl totálního charakteru, modifikuje způsob a formu existence umění, které se stává převážně sémanticko-znakovým útvarem (diskurzem), který nese ( přenáší, sděluje) hodnotové hodnoty. Spolu s tím se umění stále více zařazuje do systému masové kultury, která je zásadně orientována na trh masového umění a produkci ideologií masového vědomí. Masová kultura se rozvíjí především v komunikačních prostředcích, které přímo představují dominantní politické, ekonomické a ideologické odkazy společnosti a přímo zahrnují socializaci jednotlivců do totálních systémů moci.
Současné umění je komplexním systémem komunikujících forem a trendů, často spojovaných tzv. „postmoderním projektem“. Charakteristickým rysem různých „modernistických“ artefaktů byla přímá přítomnost autora-interpreta při realizaci uměleckého aktu, který směřuje k veřejné provokaci, která končí představením. Co se týče výtvarného (estetického) pojetí, je v modernismu realizováno formou programu, manifestu a antropologických reflexí. Obecně lze konstatovat, že fenomén „moderního já“. - spíše humanitárně-antropologický projekt, ostře, někdy až agresivně namířený proti zcela dominantním systémům sociální sebereference - politickému a ekonomickému. Z tohoto důvodu jsou komunity, které vznikají v procesu uměleckého aktu, okrajové a dočasné. „Současné umění“ ve svých avantgardních formách však zdaleka nevyčerpává moderní uměleckou kulturu, která se drží klasického paradigmatu, zarámovaného do podoby klasického výtvarná výchova, muzejní koncept, akademických institucí, které jsou zahrnuty do systému masové komunikace a ve vztahu k nimž se moderní formy umělecké činnosti esteticky i umělecky identifikují.
Proces umělecké realizace své vizuální a vyjadřovací možnosti vytváří značné množství pojmů a termínů souvisejících se strukturou umění, jako je „forma“ a „obsah“, „umělecký obraz“, „symbol“ a „alegorie“, „umělecká představivost“, „génius“ a „talent“ a další. Tyto pojmy jsou důležité pro pochopení podstaty umění. Spolu se studiem umělecké tvořivosti hraje významnou roli studium zákonitostí a principů estetického vnímání. Spolu s estetikou hraje velkou roli pochopení podstaty umění a jeho sociální role roli hrají disciplíny jako psychologie umění, teorie a dějiny umění, sociologie umění a kulturní studia. Moderní kulturní studia berou umění v systému jiných kulturních fenoménů a globální změny dif. typy kultur („národní – globální“, „vysoká – nízká“, „masová – elitní“ a podobně).
Historicky se umění vyvíjí jako určitý systém specifických druhů činností, mezi nimiž je zvykem vyzdvihovat literaturu, hudbu, architekturu, malířství, sochařství, dekorativní a užité umění. Jejich rozmanitost a odlišnosti jsou zaznamenávány a klasifikovány podle kritérií vyvinutých estetickou teorií a dějinami umění: podle způsobu reflektování skutečnosti (epistemologické kritérium) - obrazové, expresivní; podle způsobu bytí uměleckého obrazu (ontologické kritérium) - prostorové, časové, časoprostorové; podle způsobu vnímání (psychologické kritérium) - sluchové, zrakové a zrakově-sluchové. V souvislosti se vznikem nových druhů umění se objevují další principy jejich klasifikace. Všechny tyto rozdíly jsou však do značné míry relativní.
Celkově zůstává umění jednou z nejdůležitějších forem přenosu, a tedy uchovávání lidské zkušenosti. Působí také jako forma obnovy této zkušenosti, protože každá generace svým osobitým způsobem vyjadřuje proces osvojování existence. Důraz na tuto roli umění se historicky mění a ve skutečnosti se uchovávání umění, jeho specifičnost, jeho sociální funkce dosažené v obrazech, které zachycují neustále se měnící rovnováhu mezi reprodukcí a obnovou lidské zkušenosti.
1. Odborná činnost zaměřená na konstruování figurativních forem, prezentovaných ve formě speciálních artefaktů - děl I. Antropologickým předpokladem pro takovou činnost jsou určité lidské vlastnosti, které se projevují ve vztazích s prostředím: uspořádaná reakce na nejistotu situace ; znázornění nejisté situace v obrazné formě; vnější reprezentace obrazů ve formě symbolů, které se mohou stát objekty komunikace v sociálních procesech. interakce. Tyto vlastnosti odpovídají specifickým schopnostem lidí, které jim zvláštním výrazem a zvláštním vývojem umožňují stát se umělci v v širokém slova smyslu toto slovo: schopnost stavět kompozice z prvků nejisté situace; schopnost budovat holistický obraz; schopnost vyjádřit tento obraz kulturně přijatelnou formou. 2. Specializovaná oblast kultury, sociální. význam střihu je dán potřebou lidí definovat své vztahy s okolím v systémech sdílených představ a schopností dát jim vnější figurativní podobu. Protože relevantní informace jsou dostupné na sociálních sítích. význam, ukazuje se, že je speciálně uspořádán ve společnosti a kultuře, a relevantní typyčinnosti a veřejná prezentace jejich výsledků – institucionalizováno zvláštním způsobem. Funkční základy a symbolické způsoby vyjádření tohoto řádu tvoří specifický kulturní kód I. Pro účely výzkumu v oblasti společenských věd. ve vědách jsou klíčové charakteristiky informací obzvláště důležité, protože jim dávají vlastní identitu, která je stabilní v čase, a společensky přijatelné komunikační rysy. Typy I.I se obvykle dělí na typy. Základem pro takové rozdělení je „materiál“, který se formuje prostřednictvím figurativní estetické organizace. Fikce je verbální reprezentace obrazů vztahů lidí s okolím; výtvarné umění(malba, grafika) - symbolizace vizuálních obrazů; hudba - organizace zvukových symbolických systémů; architektura - symbolická organizace obytných prostor; sochařství - estetické zobrazení těla v prostoru; tanec - estetická organizace pohybu v prostoru; design - dává estetickou formu hromadné sdělovací prostředky(reklama, plakáty), interiéry bytových, průmyslových a veřejných budov. prostory, nářadí, domácí potřeby. Lze rozlišit i smíšené druhy umění, kombinující prvky několika „čistých“ typů, např.: divadlo, umělecká filmová produkce, fotografie, pořádání hromadných akcí atd. Rozdělení umění na druhy přispívá k odtrženosti, tj. prezentaci v neobvyklá forma diferencovala typy spojení mezi člověkem a prostředím, spojení, která se v každodenním životě objevují v synkretické celistvosti. Žánry I. V I. je zvykem rozlišovat žánry ve vztahu ke každému jeho typu. Identifikace žánrů se provádí v souladu s typem estetického postoje k prostředí: tragický, komický, dramatický, lyrický, satirický, fraška atd. Identifikace žánrů v každém z druhů umění zachycuje typy společensky významných duševní stavy a zážitky, které podbarvují odpovídající umělecká díla. V umění je zvykem rozlišovat určité formy uměleckých děl, které charakterizují vnitřní organizaci a vnější prezentaci. Takže dovnitř beletrie můžeme rozlišit takové formy jako román, příběh, povídka, povídka atd. - v próze; báseň, sonet, óda, balada aj. - v poezii; symfonie, sonáta, oratorium, romance, suita atd. - v hudbě; malba, portrét, krajina, zátiší aj. - v malbě. Formy I. děl se také obvykle dělí na velké, např.: román v literatuře, symfonie v hudbě, monumentální malba atd.; a malé: příběh - v literatuře předehra, hudební moment, etuda atd. - v hudbě; komorní malba a miniatura - v malbě. Identifikace forem uměleckých děl zachycuje kulturní „prostor“, který autor nabízí k podrobnému zvážení. Pro zvýraznění principů konstruování uměleckého obrazu a umělecké formy v oblasti umění je zvykem vyzdvihovat speciální kategorie, jako je styl, umělecký směr, kreativní způsob. Styl je v umění obvykle chápán jako soubor zásad pro uspořádání estetických informací charakteristických pro určitou dobu a určitý kulturní region, který je normativní, tedy pro profesionální umělce obecně přijímaný. Styl definuje soubory výrazových prostředků, technik a technologií, které jsou v dané době a v daném kulturním regionu nejběžnější. Umělecká hnutí lze definovat jako charakteristické různé skupiny soubory estetických principů umělců, včetně prvků stylu, určitých variací stylistických forem, určitých inovativních prvků. V závislosti na kombinaci těchto složek mohou být umělecká hnutí (školy) složkami stylu, uměleckými směry k němu tíhnoucími nebo se od něj odchylujícími, inovativními nebo principy estetického utváření v protikladu ke stylu. Autorův tvůrčí styl je ustáleným souborem jednotlivce umělecké techniky, charakterizující jeho identitu v I. Stejně jako v případě uměleckých směrů může kreativní způsob plně odpovídat stylu, nebo být variací stylových norem, nebo představovat novátorské hledání estetických principů, výrazových prostředků a uměleckých technik. Identifikace kategorií, které charakterizují principy konstruování umělecké formy, fixuje základ pro strukturování vztahů nositelů určité kultury s přírodním a umělým prostředím. Umění je vhodné představovat jako určitý kulturní kód, založený na estetických, obrazných principech budování vazeb mezi člověkem a prostředím, na jehož základě profesionální umělci symbolickou formou řeší problémy, které v oblasti těchto vazeb vyvstávají. I to je specifický kulturní řád, jehož struktura charakterizuje převažující zájem lidí o určité prvky prostředí a budování určitých vazeb s nimi. Analýza I. děl umožňuje identifikovat, v jakých formách estetické odpoutanosti si lidé představují své spojení s okolím, a konstruovat hypotézy o tom, co takové formy odpoutání v dané době a v daném čase způsobuje. specifická kultura. Lit.: Bart R. Vybraná díla. M., 1973; Vans-lov V.V. Estetika. Umění. Dějiny umění. M., 1983; Umění v kulturním systému. L., 1987; Kagan M.S. Morfologie umění: historická a teoretická studie o vnitřní struktuře světa umění. L., 1972; Kiyashenko N.I., Leizerov N.L. Teorie reflexe a problémy estetiky. M., 1983; Morfologie kultury. Struktura a dynamika. M., 1994; Markov M. Umění jako proces: základy funkční teorie umění. M., 1970. E.A. Orlová
Výborná definice
UMĚNÍ
termín používaný ve dvou významech: 1) dovednost, schopnost, obratnost, obratnost, rozvíjená znalostí věci; 2) tvůrčí činnost zaměřená na tvorbu uměleckých děl, šířeji estetických a výrazových forem. Pojmový status I. přímo souvisí s druhým významem pojmu, přičemž první zachovává jako technickou podmínku jakékoli kreativity.
Pojem "já." je konotován historickými proměnami (proměnami) forem a typů kultury, jejich interakcí, a tedy i povahou filozofických, uměleckohistorických, uměleckých a poetických reflexí a dodnes představuje mnohorozměrný sémantický útvar, zásadně otevřený začlenění nových sémantických prvky generované kontinuálně probíhající a umělecky se transformující – estetickou zkušeností lidstva, včetně rozvoje mezikulturních vazeb, komunikací, výměn, technologií, které zajišťují a podporují kreativitu a šíření jejích produktů ve společnosti. Tento druh kontinuální změny povahy a objemu I., její „proteismus“, znemožňuje klasickou, pozitivní definici I. Je zásadně apofatická jak ve vztahu k její substanciální povaze, tak ve vztahu ke specifickému, společensko-historickému stanovování cílů. Pro svou empiricky faktickou neurčitost lze informaci specifikovat pouze fenomenologicky, jako událost (uskutečnění) vždy nového, neznámého významu a těch existenčních okolností, za nichž se tento význam stává možným.
Tradice takového fenomenologického chápání I. se rozvinula již v antickém světě, kdy byly vysvětleny tři základní pojmy, odhalující I. v podobě trojice: „POIESIS - MIMESIS - TECHNE“. POIESIS - vyjadřuje akt tvůrčího jednání založeného na tvůrčí inspiraci, identifikování a vytváření nejumělečtějšího předmětu (umělecko-estetická objektivita), nikoli jeho podobnosti; ve skutečnosti zde začíná vytváření významu, směřující k pravdě. MIMESIS - imitace-reprodukce (jako zobrazení věci), spolehlivost díla, jeho soulad se zákonem. TECHNE - řemeslo, věda, mazanost, zručnost - hotovost, úplnost díla, jeho výraz. Umění jako tvůrčí a umělecký fenomén zahrnuje všechny tři tyto způsoby v jejich neoddělitelnosti a komplementaritě. Antická poetika (Aristoteles, Horatius), oddělující volné (lyrické) umění od řemesla, zdůrazňovala jak rozdíl mezi uměleckou invencí a vnějším (formálně-empirickým) napodobováním, tak rozdíl mezi formálně-technickým řemeslem a inteligentní (na základě inteligentního vidění) tvorbou. . Poetický modus, který je určující pro utváření uměleckého statusu díla, zároveň určuje podstatnou povahu jeho vzhledu a přítomnosti. Touto podstatnou postavou I. v aktu její přímé reprezentace (přítomnosti) pro chápání vnímání (cítění) je AISTHETIKOS (doslova - smyslové poznávání, vnímání, ale brané v celistvosti pocitů, vjemů a jejich uvědomování). Umění, které dává vzniknout komplexu uměleckých děl, která ho odhaluje, si zároveň konstituuje svůj vlastní svět – uměleckou kulturu – svět, který je ve vztahu k empirické realitě irelevantní, má vlastní (imanentní) soulad se zákony, orientovaný na krásu. , v jejímž směru se umění teprve fenomenálně realizuje . Tento způsob realizace umění jako fenomenálního aktu zakládá jeho dvě komplementární souřadnice, z nichž jedna je nutně spojena s otázkou existenciální přítomnosti člověka v umění (prostřednictvím umělecké kultury). Zde se formuje antropologický sociokulturní komplex, kde díla nastavují situaci, která explikuje a tematizuje teleologický úkol kulturního sebeurčení historicky se vyvíjejících lidských společenství. Existenciální přítomnost v umělecké kultuře je tematicky determinována komplexem I. děl jako současným a určujícím uměleckým ideálem. I. se v tomto případě přímo odvolává na nejvyšší hodnoty společenského řádu a stejně tak se stává subjektem sociální kritika. Druhá souřadnice určuje zaměření umění jako uměleckého a tvůrčího procesu na pravdu, možnost jejího vzhledu pro estetické vědomí. Tento problém je prezentován jako epistemologická složka I. znalostí a jejich filozofického chápání. Pravda je zde uvažována ve svém vzhledu nikoli v noeticko-logickém systému, ale ve své eidologické formě („forma“ v doslovném smyslu slova). Za nejadekvátnější formu takového odhalení pravdy prostřednictvím jejího konstitutivního a pozičního eidos lze považovat mýtus (mytologem) - sémantický obrazný útvar, v němž se realizuje „hierofanie“ (fenomén posvátného, a tedy zákonitostního a nutně existující). Tato tradice je charakteristická pro chápání epistemologické podstaty dějin od 3. století. až do Nové a moderní doby. V každém případě, epistemologicky řečeno, I. zakládá fenomenální přítomnost věci a směřuje k transcendentálním základům jakékoli přítomnosti. Mytologem lze považovat za nejzásadnější formu fenoménu kreativity, v níž jsou podstatné fenomenální aspekty tvůrčího aktu prezentovány v jednotě: mimojazyková (mimoznaková) realita; osobně definovaný, z hlediska přítomnosti, subjekt (umělec, básník); znaková realita, která představuje a naznačuje faktičnost v I. I. se v mytologii odhaluje v plnosti svého bytí, není však samostatným typem čistě umělecké činnosti, zachycující téměř celou celistvost bytí jako jednotu. kreativity a tvorby. Křesťanství, předpokládající transcendenci absolutního subjektu (osobního Boha), nabízí symbolickou formu naplnění víry v podobě symbolu-zjevení (smlouvy), neustále udržujícího spojení (dialog) mezi Stvořitelem a Stvořením. Takové informace mají Bohem daný charakter (zápletky a zjevení Písma svatého, teofanické kánony posvátných obrazů, vidění atd.). V tomto chápání transcendentna prostřednictvím symbolu se však již projevuje tvůrčí sebevůle „stvoření“, umělce. Během tohoto období se koncept "já." konotované sémantickým přízvukem „pokušení“, „pokušení“. Symbol v křesťanské kultuře ještě není uměleckým dílem, zůstává v mezích fenoménu samotného fenoménu symbolismu, fenoménu přímo souvisejícího s transcendentálními základy kreativity. V tomto ohledu neexistuje jasná hranice např. mezi ikonou vytvořenou mistrem a čistě přirozeným znakem theofanie (stopa Panny Marie, nehynoucí relikvie, hmotné symboly posvátné historie). Za událost, která radikálně změnila situaci I., lze považovat přijetí principu „filioque“ západním křesťanstvím, z něhož vycházela doktrína „dvou pravd“ postulovaná Tomášem Akvinským, která vedla k určité emancipaci obou. lidské (vytvořené) poznání pravdy a vlastně i lidská tvořivost . Samotná stvořená realita (emancipovaná příroda) je relativně soběstačným zdrojem bytí a člověk je zde předpokládán jako epistemologický a tvůrčí subjekt. Subjektivně je tvůrce (umělec) již oddělen od světa, který mu nyní stojí v protikladu v podobě objektu a subjektu empiricky stanovených cílů. V takové situaci je I. schopen popsat a zobrazit svět pouze v uměleckých dílech, která podle Feuerbachovy přesné poznámky „nepředstírají realitu“. V umělecké tvořivosti začínají dominovat aspekty „techné“ – dovednost, dovednost a „mimesis“, ve smyslu formálního napodobování přírody, brané v jejím „přírodním zákoně“. Tak vzniká „klasický“ model umění jako svět uměleckých děl, utvářený na estetických principech a zaměřený na kultivované estetické cítění (vnímání) a úsudek (vkus). Jelikož se ve stejném období stává nejvýznamnější složkou lidské kultury historismus v podobě totálních světových dějin, které předkládají řešení teleologického problému lidstva (Hegel, Marx), pak současně klasické dějiny umění ( Winckelmann) vzniká, zaměřený na pochopení (reprodukci) krásného v jeho ideální estetické podobě. Klasický model světa Indie se stává určujícím a základním pro konstrukci celého „evropského projektu“, který předpokládá jeho korelaci se všemi aspekty eurocentrického světového řádu.
Klasický svět I. předpokládá vzornost (normativita), a to jak z hlediska orientace na krásný ideál, doslova vytříbený z tzv. klasického historické éry(srov. „klasická antika“, „klasická (vrcholná) renesance“) a v pojmech proměny života, vyjádřené v sociologizované tematizaci vztahu „krásného“ a „života“. Formování objektivizovaného "klasického světa I." spolu se zaměřením na umělecký (estetický) předmět vede ke vzniku kvazivědeckého paradigmatu pro studium umění se systémem postupů, které umožňují studovat, hodnotit a utvářet vzorce vývoje umění založené na subjektivním kritérií. Vývoj moderního umění doprovází umělecká kritika, teorie umění (Wölflin) a umělecká kritika. Samotné umění (svět klasického umění) je považováno za specifický systém adekvátního popisu (reprezentace) mimoumělecké reality, jejímž hlavním významovým prvkem je umělecký obraz. Problematika uměleckého obrazu, nejplněji prezentovaná v Hegelově Estetice, byla snahou vyřešit rozpor mezi věcnou objektivitou I. díla (co a jak je prezentováno) a jeho smyslem (z hlediska klasické estetické teorie - rozpor mezi obsahem a formou). S uměleckým obrazem se zacházelo především jako s produktem kreativní představivost, vznikající v procesu tvorby a vnímání díla. Striktní vázání uměleckého obrazu na postup reflektování skutečnosti – spolehlivého a formalizovaného – však vedlo k celému komplexu paradoxů spojených se zásadní nedostatečností „uměleckého“ a „skutečného“ světa. Tuto situaci zaznamenali Schopenhauer a Nietzsche, zaznamenanou v podobě zvýšené pozornosti k tématu POIESIS jako nezbytnému prostředku k utváření samotné umělecké subjektivity, která je aktuální dodnes. Právě POIESIS, jako základní moment umělecké tvořivosti, se stal základem, na němž vznikla různorodá inovativní hnutí, obvykle definovaná pojmem „moderní umění“, které výrazně proměnily celý koncept a spolu s praxí umění na konci 19. a začátek 20. století.
Na přelomu století začalo období, které trvalo celé 20. století. konflikt klasických a inovativních tradic, v jehož hloubkách je stále zřetelnější hluboká proměna technologie a její vznik ve zcela nové dimenzi lidská existence, celkem přesně vyjádřil M. Heidegger: „Umění se posouvá do horizontu estetiky To znamená: umělecké dílo se stává předmětem zkušenosti, a proto je umění považováno za výraz lidského života.“ Tento status I. předpokládá neklasickou strukturu umělecký svět a rovnocenné soužití a komunikace různorodých kulturních světů spojená s životní činností stejně různorodých, často dynamicky se měnících lidských bytostí, sebeorganizujících se podle politických, ekonomických, etnických, náboženských, etických a hodnotových principů. Komunikační princip strukturování uměleckého (kulturního) světa, který do konce století nabyl totálního charakteru, modifikuje způsob a formu života umění, které se stává převážně znakovým útvarem (diskurzem), který nese (přenáší, sděluje). ) hodnotové významy.
Moderní informace jsou komplexním systémem komunikujících forem a trendů, často sjednocených takzvaným „postmoderním projektem“. Charakteristickým rysem různých „modernistických“ artefaktů se stala přímá přítomnost autora-interpreta při realizaci uměleckého aktu, který směřuje k veřejné provokaci, která končí představením. Co se týče výtvarného (estetického) pojetí, je v modernismu realizováno formou programu, manifestu a antropologických reflexí. Obecně lze konstatovat, že fenomén „moderního já“. - spíše humanitárně-antropologický projekt, ostře, někdy až agresivně namířený proti zcela dominantním systémům sociální sebereference - politickému a ekonomickému. Z tohoto důvodu jsou komunity, které vznikají v procesu uměleckého aktu, marginální a dočasné povahy. Nicméně "moderní já." ve svých avantgardních formách zdaleka nevyčerpává moderní uměleckou kulturu, která se drží klasického paradigmatu, zarámovaného do podoby klasického uměleckého školství, muzeí, akademických institucí, které jsou zahrnuty do systému masové komunikace a ve vztahu k nimž moderní formy umělecké činnosti se identifikují v estetických a uměleckých pojmech. Konečně, obraz moderního umění a moderní umělecké kultury by byl neúplný bez fenoménu masové kultury, který je zásadně orientován na trh masového umění a produkci ideologií masového vědomí (kult hvězd, konzum, masové fobie, úspěch v životě). Masová kultura se rozvíjí především v komunikačních prostředcích, které přímo představují dominantní politické, ekonomické a ideologické odkazy společnosti a přímo zahrnují socializaci jednotlivců do totálních systémů moci.
Výborná definice
Neúplná definice ↓